sexta-feira, 5 de março de 2010
quinta-feira, 4 de março de 2010
quarta-feira, 7 de janeiro de 2009
FRANCISCO DE GOYA-111-Pintor
(Fuendetodos, Zaragoza, 1746 – Burdeos, Francia, 1828)
Francisco José de Goya y Lucientes, llamado Francisco de Goya, pintor y grabador español. Marcado por Velázquez influyó, y mucho, en la pintura contemporánea.
Su padre, José Goya, natural de Zaragoza, de origen vasco, estaba vinculado con el mundo de las artes por su oficio de dorador; su madre, Gracia Lucientes, era de familia labriega de Fuendetodos. El matrimonio Goya residía temporalmente en este pueblo cuando nació Francisco. Estaba avecindado en Zaragoza donde Francisco entró de aprendiz en el taller de José Luzán. A estos comienzos corresponde su trabajo más antiguo de que se tiene noticia, la decoración de un armario de la iglesia de Fuendetodos, pintura llena de inexperiencias, pero de una turbulencia de ejecución que presagia libertades futuras.
La actividad de Goya es poco conocida. Consta que en 1763 y 1766 se presentó en Madrid a sendos concursos convocados por la Academia de san Fernando; los premios fueron otorgados a otros pintores sin que Goya obtuviera ni un voto del tribunal académico.
Asalto a un castillo en una colina
Visita de un fraile
Ciclo de pinturas "Desastres de la Guerra", escena
Caníbales contemplando restos humanos
El entierro de la sardina
En abril de 1771 se encontraba en Roma. De su estancia en Italia se sabe muy poco. El viaje, que costeó de su bolsillo, debió ser de corta duración. Desde Roma envió un cuadro a un concurso abierto por la academia de Parma, en el que obtuvo una mención honorífica.
A mediados de 1771 Goya había regresado a Zaragoza, donde en octubre del mismo año se le confió la pintura de la bóveda del coreto del Pilar. Este fresco, La gloria del nombre de Dios, terminando en la primera mitad de 1772 es todavía de composición poco hábil, pero presenta fragmentos de espléndida calidad.
En julio de 1773 contrajo matrimonio en Madrid con Josefa Bayeu, hermana de los pintores Francisco, Ramón y Manuel.
Salvo algunos viajes de corta duración, hasta su emigración a Burdeos, la carrera de Goya se desarrollará desde ahora en la capital.
Francisco Bayeu, zaragozano, discípulo también de José Luzán y doce años mayor que Goya, había ejercido sobre éste un ascendiente no conocido en detalle, pero que debió ser de mentor y maestro; de hecho, en 1771, al participar en el concurso de Parma, Goya declaró explícitamente que era discípulo de F. Bayeu. Gracias a éste, convertido ya en su cuñado, Goya empezó a trabajar como cartonista de la Real fábrica de tapices de Madrid. Los 63 cartones que ejecutó entre 1775 y 1792 constituyen indudablemente la vertiente más sabrosa de su producción durante este período, y patentizan el progresivo dominio técnico, el afinamiento de paleta y la desenvoltura de invención y observación que el maestro fue desarrollando a lo largo de esos años.
Los temas de los cartones, de carácter costumbrista y popular, no fueron elección de Goya, pero le ofrecieron un campo muy propicio para dar una visión fresca, amable, y llena de gracia y de humor de la vida que le rodeaba. Paralelamente a la maestría que acreditan los cartones y otras pinturas de tenor similar, Goya se fue revelando como retratista consumado; algunos de sus retratos del noveno decenio, de un chispeante gusto rococó: Floridablanca, La familia de los duques Osuna, La marquesa de Pontejos… son piezas de primer orden dentro de la impresionante galería humana que Goya irá registrando hasta su muerte.
La evolución general de la pintura madrileña en los años setenta y ochenta está marcada principalmente por el influjo en sentido neoclásico derivado de Mengs. Esta crisis fue superada por la clarividencia pictórica de Goya, que sólo la reflejó con resultados limitativos en ciertas obras, especialmente en las de asunto religioso, más acomodadas al gusto dominante: Cristo crucificado de 1780, la Sagrada Familia (Prado), San Bernardino de Siena predicando ante Alfonso V.
En el período que va hasta 1790 Goya se afianza en la corte. Desde 1780 es miembro de la Academia de san Fernando y asiste regularmente a sus sesiones. Goza de bienestar económico. Se va imponiendo como retratista de la nobleza. Y en 1786 es nombrado pintor de cámara.
En el invierno de 1792-1793 Goya estuvo muy enfermo. No se conoce a ciencia cierta la naturaleza del mal que le aquejó, “de las más terribles” a decir de Zapater, y que le dejó completamente sordo. Esa tara física contribuyó sin duda poderosamente a enriquecer la vida interior del artista, a propulsar su imaginación hacia zonas no exploradas hasta entonces.
Apenas restablecido de su enfermedad, Goya pintó un grupo de cuadros. A este grupo pertenecía La casa de locos, El naufragio, El incendio…
En 1975 fue nombrado, sucediendo a Francisco Bayeu, director de pintura de la Academia de san Fernando. Pero dos años después dimitió, a causa de su sordera, y sin duda también por el concepto totalmente antiacadémico que tenía la educación artística; quedó como director honorario.
En 1799 llegaba a la cúspide de su carrera oficial con el nombramiento de primer pintor de cámara. Su labor como retratista es inmensa en este tiempo, y de una sabiduría pictórica, profundidad sociológica. Retrató a los reyes, a pie y a caballo, y a la familia real entera, La familia de Carlos IV, que une a su calidad excelsa su valor documental, revelador sin tapujos de la contextura moral de los personajes; el retrato colectivo gustó mucho a la corte, pero acaso sea significativo que hasta 1808 no se volviera a encargar a Goya otro retrato para palacio.
En 1808, al subir al trono Fernando VII, Goya le retrató (Fernando VII a caballo, Academia de san Fernando). En octubre de aquel año, ya en plena guerra contra los franceses, marchó a Zaragoza llamado por Palafox para ver y examinar las ruinas de aquella ciudad. En 1812 murió Josefa Bayeu. El inventario de bienes subsiguiente muestra que Goya disfrutaba de una posición económica desahogada, que mantendría hasta su muerte.
En estos años el estilo de Goya evoluciona hacia una mayor concentración expresiva, va renunciando a las veladuras a favor de una pintura más directo, sintética y cuajada de materia, su paleta se simplifica, con tendencia a los acordes sobrios y un amplio empleo de los negros.
En la pintura religiosa, más que las convencionales Asunción y Santa Justa y Rufina, hay que destacar La oración del huerto y La última comunión de san José de Calasanz, quizá sus obras más sentidas y auténticas de todas las de este género.
Con la persecución que sufrieron los liberales en Francia, Goya se sintió amenazado y en mayo de 1824, pasada la primera oleada represiva, solicitó permiso del rey para ir al balneario de Plombières, que le fue concedido. A fines de junio estaba ya en Burdeos, refugio de muchos liberales y afrancesados españoles.
Muere en Burdeos el 16 de abril de 1828, a los 82 años de edad, de una parálisis.
domingo, 4 de maio de 2008
PINTORES IMPRESSIONISTAS - 111
Pintores impresionistas
Entre 1874 y 1886 un grupo de jóvenes pintores, unidos por la idea de realizar una pintura lejos de salones oficiales, e inspirada en el contacto directo con la naturaleza, llevaron a cabo una serie de exposiciones que mostraban una nueva manera de entender el arte. No era un grupo compacto. Pero han pasado a la historia de la pintura como uno de los movimientos más renovadores del periodo contemporáneo, son los pintores impresionistas.Cuando en 1874 hicieron su primera exposición en el estudio fotográfico Félix Nadar, eran una serie de treinta pintores, escultores y grabadores, entre los cuales destacaban Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917), Camilla Pizarro (1830-1903) y Jean-Frédéric Bazille (1841-1870). Su líder era un entusiasta pintor parisino, Claude Monet (1840-1926).Los pintores impresionistas tienen sus antecedentes en Corot, la escuela de Barbizon, Manet y Boudin. Como este último, rechazan la pintura de estudio. Pintan directamente de la naturaleza. Su principal preocupación es captar la luz y los colores efímeros. Por eso usaban una pincelada rápida y una paleta de colores puros, usando la técnica de los contrastes simultáneos, con la finalidad que los toques de color se mezclen con la retina del espectador. El resultado es una pintura luminosa y vibrante, en la cual lo que es fundamental es la pintura en sí misma y no el tema.En su trabajo los pintores impresionistas usaban de manera intuitiva la teoría sobre los colores formulada por Chevreul, según el cual los colores –originados a partir de los tres primarios: rojo, amarillo y azul- actúan entre ellos, cuando se aproximan en función de unas normas fijas.A partir de 1885 estos planteamientos que habían llegado a resultar tan comunes para dificultar el reconocimiento de la autoría de algunos cuadros impresionistas, comienzan a divergir. Cada uno de los pintores impresionistas evolucionará en un sentido: el clasicismo de Renoir, los interiores de Degas… Sólo Monet parece permanecer toda su vida fiel a los principios básicos que originaron el Impresionismo
Entre 1874 y 1886 un grupo de jóvenes pintores, unidos por la idea de realizar una pintura lejos de salones oficiales, e inspirada en el contacto directo con la naturaleza, llevaron a cabo una serie de exposiciones que mostraban una nueva manera de entender el arte. No era un grupo compacto. Pero han pasado a la historia de la pintura como uno de los movimientos más renovadores del periodo contemporáneo, son los pintores impresionistas.Cuando en 1874 hicieron su primera exposición en el estudio fotográfico Félix Nadar, eran una serie de treinta pintores, escultores y grabadores, entre los cuales destacaban Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917), Camilla Pizarro (1830-1903) y Jean-Frédéric Bazille (1841-1870). Su líder era un entusiasta pintor parisino, Claude Monet (1840-1926).Los pintores impresionistas tienen sus antecedentes en Corot, la escuela de Barbizon, Manet y Boudin. Como este último, rechazan la pintura de estudio. Pintan directamente de la naturaleza. Su principal preocupación es captar la luz y los colores efímeros. Por eso usaban una pincelada rápida y una paleta de colores puros, usando la técnica de los contrastes simultáneos, con la finalidad que los toques de color se mezclen con la retina del espectador. El resultado es una pintura luminosa y vibrante, en la cual lo que es fundamental es la pintura en sí misma y no el tema.En su trabajo los pintores impresionistas usaban de manera intuitiva la teoría sobre los colores formulada por Chevreul, según el cual los colores –originados a partir de los tres primarios: rojo, amarillo y azul- actúan entre ellos, cuando se aproximan en función de unas normas fijas.A partir de 1885 estos planteamientos que habían llegado a resultar tan comunes para dificultar el reconocimiento de la autoría de algunos cuadros impresionistas, comienzan a divergir. Cada uno de los pintores impresionistas evolucionará en un sentido: el clasicismo de Renoir, los interiores de Degas… Sólo Monet parece permanecer toda su vida fiel a los principios básicos que originaron el Impresionismo
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ANDY WARHOL - 110 - Pintor
Andy WarholAndy Warhol (1928-1987)
Nacido Andrew Warhola el 6 de agosto de 1928, Andy Warhol fue un maestro ante todo, y sobre todas las cosas, de la reinterpretación. Icono por excelencia del arte pop (apócope de popular), su producción responde a una concepción de la realidad mucho menos frívola de lo que pudiera creerse. Consciente de la dirección que estaba tomando el mundo contemporáneo, se acerca incluso en ocasiones a los presupuestos del “arte denuncia”. Y es que, si bien parece que obvia cualquier tipo de implicación personal en ésta, los propios temas escogidos para ser mostrados al público evidencian en sí mismos una crítica, en muchas ocasiones feroz.
Hijo de inmigrantes checoslovacos afincados en Pittsburgh (Pennsylvania, Estados Unidos), ciudad donde Warhol nació, su infancia estuvo marcada por el aislamiento al que su precaria salud le obligó y que tanto influiría posteriormente en el desarrollo de su trabajo creativo y de su propia personalidad. Una personalidad que iría construyendo poco a poco, al igual que su imagen, hasta terminar por conformar la más famosa de sus obras: el propio Andy Warhol. Un personaje polémico para muchos, visionario para otros, pero con una incuestionable capacidad de revulsión artística.
Su interés por el mundo del arte queda prontamente manifiesto y ya durante sus primeros años de juventud es posible encontrarle interesado por el aspecto más popular de su aplicación. Tras unos años de estudio en su Pittsburgh natal, donde cursará Arte Comercial en el Carnegie Institute of Technology, se trasladará a Nueva York, prueba de fuego para cualquier artista del mundo que desee triunfar. Y Andy lo consiguió: va a cosechar éxitos ya desde sus comienzos. Primero dentro del mundo publicitario y editorial, al que estará asociado como ilustrador, y posteriormente como artista plástico y, sobre todo, conceptual; un término en boca de todos en el Nueva York de los años 60.
Los pasos que le habrán de encaminar en la dirección del pop art, un arte con una concepción realista de la forma, parten, sin embargo, de los presupuestos depurados del expresionismo. Corriente a la que se suman en esta década las nuevas tendencias de la neofiguración, que estaban surgiendo por doquier en rebelión a un camino artístico previo agotado. Andy Warhol subirá un peldaño más en esta búsqueda de nuevos modos de expresión, concentrando sus atenciones en dos aspectos principales que favorecerán la aparición de un lenguaje creativo diferente: la relación arte-sociedad y los sistemas de producción seriados, todo ello en una clave característicamente americana. El descubrimiento de la serigrafía y la forma en que ésta se adecuaba a su idea del arte resultarán determinantes. Al igual que los temas para sus obras, tomados de la cotidianeidad que le rodeaba y de su propia experiencia vital (productos de supermercados, personajes encumbrados por los mass media; elementos generados en masa para ser fagocitados), la serigrafía le habría de permitir revertir el concepto de obra de arte de pieza única en pieza múltiple. Un sistema de trabajo en cadena para un mundo que generaba productos en serie. Así, con Warhol surge por fin un verdadero arte-máquina, el arte sin autor propugnado por Sol LeWitt, llegando incluso a fundar en 1963 un epicentro de producción al que acudirán multitud de artistas buscando otras formas de experimentación: The Factory. Famosas son sus obras de esta etapa, convertidas hoy día en estandartes del movimiento pop. Hablamos de las latas de sopa Campbell (1962-65), reproducidas hasta la saciedad en diversos formatos, las representaciones disociadas de Elvis (1962) o los conocidísimos “retratos Warhol” de Jackie Kennedy (1964) y Marilyn Monroe (1962-64), convertida gracias a la repetición en una figura casi sagrada. Pero también de su Desastre lavanda (1963), en el que multiplica una imagen de la silla eléctrica, o sus obras con imágenes de desastres (1962-65) copiadas casi de forma idéntica de las difundidas por la prensa.
Son años también de una gran participación en proyectos literarios y musicales (un ejemplo es su labor de manager del grupo The Velvet Underground), que finalizarán al término de la década con un intento de asesinato por parte de una feminista radical llamada Valerie Solanis, hecho que le dejaría psicológicamente marcado de por vida.
Un mal episodio al que le suceden años de éxito y reconocimiento dentro de los circuitos comerciales del arte, principalmente durante los 80, y que darán como resultado algunos de sus mejores y más representativos iconos de la era moderna. Warhol nos ha dejado como herencias de este periodo las imágenes de Truman Capote (1979), Joseph Beuys (1980), el líder revolucionario de la China comunista Mao Tse-tung (1973) o Lenin, realizado este último poco antes de su muerte en 1987 por culpa de las complicaciones derivadas de una cirugía. Una etapa final marcada por un incremente en el empleo de la materia pictórica, que añadirá riqueza a la serigrafía, y una progresión cada vez más acentuada hacia un minimalismo que alcanza la abstracción y donde Warhol sigue experimentando y reinventado continuamente el mundo que le rodea. hrubiales
EXPOSIÇÕES
ExposicionesLas exposiciones son una muestra de obras de arte que tienen un interés especial para enseñarlas a un público. Para ello se escoge una sala en la que se colocarán las obras con la información correspondiente.En muchas ocasiones son los museos los espacios que se utilizan en las exposiciones de arte. Estas instituciones son muy importantes para que la sociedad pueda acceder a las obras de arte, pero además, se caracterizan también por su finalidad científica y educativa. Así pues, en el museo se deben catalogar adecuadamente las piezas, estudiar los contextos históricos y la autoría, restaurarlas adecuadamente siempre que sea necesario, clasificarlas según criterios científicos e intentar que su exhibición sea, antes que nada, didáctica y educativa para todos.
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OBRA DE ARTE
Obra de arte
Manifestación artística en la que se resumen un grupo de elementos: los individuales (como la personalidad del artista), los intelectuales (las ideas de la época), los sociales (la clientela) y los técnicos. En primer lugar, la obra de arte es el reflejo de una personalidad creadora, es decir, hay una relación estrecha entre los aspectos personales del creador y las características de su obra. Pero el artista no crea sus obras teniendo como única referencia su “yo”, porque el mundo exterior que le rodea y en el cuál vive incide sobre sus sentidos e influye también en sus obras de una manera inevitable. También se tienen que tener en cuenta cómo inciden en la obra del artista las ideas intelectuales o la ideología de la época, es decir, el conjunto de pensamientos y de sentimientos que impregnan el momento en el que el artista trabaja. Así, por ejemplo, las esculturas o las pinturas del arte románico son antinaturalistas –las figuras no son representadas con realismo-, porque ningún artista de esos siglos tenía interés en reflejar la naturaleza. Este hecho sucedía porque la ideología dominante de la época era muy religiosa y promovía aquello sobrenatural, no aquello natural. Lo que importaba no era la obra artística, sino el mensaje religioso que se derivaba.Las circunstancias sociales influyen también en los artistas, porque no vivían aislados de su entorno. En nuestros tiempos, el comprador de una obra de arte es a menudo anónimo, porque el artista expone sus obras y no llega a saber quién las adquiere. Pero en otra época el artista trabajaba mucho más por encargo y por eso los valores y las necesidades de los grupos sociales dominantes influían en su obra.
Manifestación artística en la que se resumen un grupo de elementos: los individuales (como la personalidad del artista), los intelectuales (las ideas de la época), los sociales (la clientela) y los técnicos. En primer lugar, la obra de arte es el reflejo de una personalidad creadora, es decir, hay una relación estrecha entre los aspectos personales del creador y las características de su obra. Pero el artista no crea sus obras teniendo como única referencia su “yo”, porque el mundo exterior que le rodea y en el cuál vive incide sobre sus sentidos e influye también en sus obras de una manera inevitable. También se tienen que tener en cuenta cómo inciden en la obra del artista las ideas intelectuales o la ideología de la época, es decir, el conjunto de pensamientos y de sentimientos que impregnan el momento en el que el artista trabaja. Así, por ejemplo, las esculturas o las pinturas del arte románico son antinaturalistas –las figuras no son representadas con realismo-, porque ningún artista de esos siglos tenía interés en reflejar la naturaleza. Este hecho sucedía porque la ideología dominante de la época era muy religiosa y promovía aquello sobrenatural, no aquello natural. Lo que importaba no era la obra artística, sino el mensaje religioso que se derivaba.Las circunstancias sociales influyen también en los artistas, porque no vivían aislados de su entorno. En nuestros tiempos, el comprador de una obra de arte es a menudo anónimo, porque el artista expone sus obras y no llega a saber quién las adquiere. Pero en otra época el artista trabajaba mucho más por encargo y por eso los valores y las necesidades de los grupos sociales dominantes influían en su obra.
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PINTURA NO SÉCULO XX
Pintura siglo XX
Las artes figurativas han experimentado a lo largo del siglo XX una transformación tan profunda que en uno de sus movimientos, la abstracción, han perdido el carácter de representación de realidades externas y concretas, es decir, han dejado se ser figurativas. Esta revolución morfológica depende de un momento histórico; son los cambios filosóficos, científicos y políticos los factores de dinamismo que exigen del arte una manera diferente de afrontar la realidad.La revolución de la física tras la teoría de la relatividad de Einstein y la de la medicina con las doctrinas de Freud han impulsado la pintura hacia posiciones desconcertantes incluso para los mismos artistas. El pintor de 1900 supo, con sorpresa, que el espacio y la materia son realidades diferentes de las visibles y que el ser humano es mucho más complejo y profundo de lo que se había pensado durante los siglos anteriores. A partir de entonces, tuvo que transportar a su obra estas dimensiones nuevas descubiertas por la ciencia.El último cuarto del siglo XIX, había sido una conmoción para la pintura; los impresionistas anteponían la plasmación de un elemento tan sutil como la luz a las arquitecturas sólidas de la materia, pero veían que los físicos discutían sobre la natura de la luz, que no sabían en realidad qué es el fenómeno lumínico; además, algunos maestros como Van Gogh o Cézanne, buscaron más allá de las apariencias iluminadas una nueva realidad desconocida. Los pintores del 1900 tuvieron que partir de este revisión del mundo visible.La pintura del siglo XX se caracterizó por la aparición de los movimientos “ismos”. El fauvismo es uno de ellos, representó una reacción en contra del impresionismo apostando por el color y el objeto, que los pintores de final de siglo habían reducido a tonalidades luminosas. No menos importante fue el cubismo, estilo que utilizaba la perspectiva convencional ni los colores de la realidad ni tampoco un punto de vista único; un sentido más austero del arte los hacía inclinar por los tonos neutros: grises, blancos, verdes claros; los ángulos de observación del objeto se multiplican para obtener de esta cuarta dimensión a partir de la suma de todas las perspectivas; los interiores son representados mediante transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación del plano se hace más intensa que en el fauvismo.El futurismo fue otro de los movimientos pictóricos surgido en el siglo XX. Una de las características de este estilo fue el hecho de adjudicar a los objetos diferentes posiciones sobre un plano, con la intención de representar el movimiento. Consecuentemente, pintaban caballos, perros y figuras humanas con más de una cabeza.El dadaísmo también nació en el siglo XX, caracterizado principalmente por su oposición a la burguesía y por pintar cuadros que mostraran una inventiva inagotable. Por último, el surrealismo presentaba una cierta cohesión de escuela: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, perspectivas vacías…
Las artes figurativas han experimentado a lo largo del siglo XX una transformación tan profunda que en uno de sus movimientos, la abstracción, han perdido el carácter de representación de realidades externas y concretas, es decir, han dejado se ser figurativas. Esta revolución morfológica depende de un momento histórico; son los cambios filosóficos, científicos y políticos los factores de dinamismo que exigen del arte una manera diferente de afrontar la realidad.La revolución de la física tras la teoría de la relatividad de Einstein y la de la medicina con las doctrinas de Freud han impulsado la pintura hacia posiciones desconcertantes incluso para los mismos artistas. El pintor de 1900 supo, con sorpresa, que el espacio y la materia son realidades diferentes de las visibles y que el ser humano es mucho más complejo y profundo de lo que se había pensado durante los siglos anteriores. A partir de entonces, tuvo que transportar a su obra estas dimensiones nuevas descubiertas por la ciencia.El último cuarto del siglo XIX, había sido una conmoción para la pintura; los impresionistas anteponían la plasmación de un elemento tan sutil como la luz a las arquitecturas sólidas de la materia, pero veían que los físicos discutían sobre la natura de la luz, que no sabían en realidad qué es el fenómeno lumínico; además, algunos maestros como Van Gogh o Cézanne, buscaron más allá de las apariencias iluminadas una nueva realidad desconocida. Los pintores del 1900 tuvieron que partir de este revisión del mundo visible.La pintura del siglo XX se caracterizó por la aparición de los movimientos “ismos”. El fauvismo es uno de ellos, representó una reacción en contra del impresionismo apostando por el color y el objeto, que los pintores de final de siglo habían reducido a tonalidades luminosas. No menos importante fue el cubismo, estilo que utilizaba la perspectiva convencional ni los colores de la realidad ni tampoco un punto de vista único; un sentido más austero del arte los hacía inclinar por los tonos neutros: grises, blancos, verdes claros; los ángulos de observación del objeto se multiplican para obtener de esta cuarta dimensión a partir de la suma de todas las perspectivas; los interiores son representados mediante transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación del plano se hace más intensa que en el fauvismo.El futurismo fue otro de los movimientos pictóricos surgido en el siglo XX. Una de las características de este estilo fue el hecho de adjudicar a los objetos diferentes posiciones sobre un plano, con la intención de representar el movimiento. Consecuentemente, pintaban caballos, perros y figuras humanas con más de una cabeza.El dadaísmo también nació en el siglo XX, caracterizado principalmente por su oposición a la burguesía y por pintar cuadros que mostraran una inventiva inagotable. Por último, el surrealismo presentaba una cierta cohesión de escuela: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, perspectivas vacías…
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PINTURA ACRÍLICA
Pintura acrilica
La pintura acrílica es una de las técnicas pictóricas que existe. Es una clase de pintura en la que los pigmentos que se usan están diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética. Contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (que acostumbra a ser cola vinílica), estos pigmentos son solubles en agua, pero una vez secos son resistentes a ella. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada en Alemania y Estados Unidos. Entre sus características destaca especialmente la rapidez del secado y su acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio).Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.Aunque, como hemos visto, la pintura acrílica tiene las mismas ventajas que la pintura al temple y la pintura al óleo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, y eso hace que se limite su uso a técnicas particulares. Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rotho ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann... ).
La pintura acrílica es una de las técnicas pictóricas que existe. Es una clase de pintura en la que los pigmentos que se usan están diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética. Contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (que acostumbra a ser cola vinílica), estos pigmentos son solubles en agua, pero una vez secos son resistentes a ella. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada en Alemania y Estados Unidos. Entre sus características destaca especialmente la rapidez del secado y su acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio).Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.Aunque, como hemos visto, la pintura acrílica tiene las mismas ventajas que la pintura al temple y la pintura al óleo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, y eso hace que se limite su uso a técnicas particulares. Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rotho ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann... ).
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PINTURA A ÓLEO
Pintura al oleoLa pintura al oleo es una técnica pictórica en la que la materia colorida se obtiene de la mezcla del pigmento colorante con el óleo. Esta mezcla sirve para unir los distintos pigmentos entre ellos y estos con el soporte (por ejemplo, la tela). Los óleos que más se utilizan son los de linaza o de nuez. Los colores al óleo son colores obtenidos a partir de disolventes óleo-resinosos. Según la tradición, los crearon los pintores flamencos del siglo XV, pero en realidad se trata de una modalidad de pintura al temple. Los colores se trituran y se mezclan con el óleo de linaza o de nuez, se juntan en caliente con resinas duras (ámbar y copal) y se disuelven con óleos esenciales (lavanda, espliego, romero). Tradicionalmente, cada artista se preparaba los colores que necesitaba y fijaba el grado de dilución y de fluidez que le convenía. Actualmente, los colores al óleo se comercializan prefabricados en tubos, aunque a menudo tienden, con el tiempo, a estropearse a causa de una excesiva cantidad de óleo y de cera que se les añade para evitar su rápida desecación.Para conseguir colores más transparentes, y evitar así que determinados tintes, como el blanco, el verde y el azul, se vuelvan opacos, se suele añadir a los óleos grasos habituales, que producen una materia densa y viscosa, algunos óleos disolubles, también llamados oleos esenciales (uno de los más usados es la esencia de trementina)Una vez finalizada la pintura, es habitual pasarle una capa de barniz protector, que también puede usarse para dar más brillo al color o se puede aplicar entre las dos capas de color para evitar que el óleo de la capa superior, al pasar a la capa inferior, se seque y se estropee. Los barnices finales, cuando se secan, forman una película transparente.Antiguamente, la pintura al óleo se realizaba sobre una plancha de madera, y no siempre se ponía tela. A finales del siglo XV, en Venecia, se introdujo el uso de la tela montada encima de un bastimento. Otros soportes que se han usado a lo largo del tiempo son los muros, las tablas o las veladuras.
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PINTURA SOBRE TELA
Pintura sobre tela
La pintura sobre tela es la más común para pintar al óleo. Antiguamente, la pintura al óleo se realizaba sobre una plancha de madera, y no siempre se ponía tela. A finales del siglo XV, en Venecia, se introdujo el uso de la tela montada encima de un bastimento. Otros soportes que se han usado a lo largo del tiempo son los muros, las tablas o las veladuras.Las telas eran de lino y de cáñamo, ya que el algodón es excesivamente poroso y sensible a la humedad, y la seda tiende a romperse y a polvorizarse con las acciones de los óleos.La elección del tipo de textura de la tela va muy ligado al resultado que se quiere obtener: la trama puede ser fría y compacta, o gruesa y más marcada. O también, como en Venecia, de espigas, para acentuar así su aspecto granular. La tela, debidamente preparada para que se le adapten bien las capas de pintura, se disponen en un bastidor de madera compuesto por elementos móviles encajados en forma de ángulo recto, con uno finos listones de madera que permiten corregir las eventuales arrugas de la tela.
La pintura sobre tela es la más común para pintar al óleo. Antiguamente, la pintura al óleo se realizaba sobre una plancha de madera, y no siempre se ponía tela. A finales del siglo XV, en Venecia, se introdujo el uso de la tela montada encima de un bastimento. Otros soportes que se han usado a lo largo del tiempo son los muros, las tablas o las veladuras.Las telas eran de lino y de cáñamo, ya que el algodón es excesivamente poroso y sensible a la humedad, y la seda tiende a romperse y a polvorizarse con las acciones de los óleos.La elección del tipo de textura de la tela va muy ligado al resultado que se quiere obtener: la trama puede ser fría y compacta, o gruesa y más marcada. O también, como en Venecia, de espigas, para acentuar así su aspecto granular. La tela, debidamente preparada para que se le adapten bien las capas de pintura, se disponen en un bastidor de madera compuesto por elementos móviles encajados en forma de ángulo recto, con uno finos listones de madera que permiten corregir las eventuales arrugas de la tela.
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ESCULTURAS EM FERRO
Escultura de hierro
El hierro es, después del aluminio, el metal más abundante de la naturaleza: constituye el 5% de la superficie terrestre. Las dos aleaciones más importantes del hierro son el acero y la fosa o hierro colado. La forja de hierro, descubierta por los hititas a mediados del segundo milenio antes de Cristo, se propagó por toda Europa un milenio más tarde, a causa del influjo de griegos, fenicios y otros pueblos. En la cultura de la Tène el uso del hierro tuvo un incremento extraordinario. Se usaba para hacer armas y utensilios para la agricultura y la decoración. En la Edad Media se usaba como elemento protector de las puertas, hasta evolucionar hacia la constitución de elementos decorativos. Comenzó así su uso en rejas, de gran importancia en el gótico y el Renacimiento. En la escultura moderna también se ha incorporado la forja. Y aunque el hierro se usa para muchas cosas que no tienen nada que ver con el arte, escultores como Pablo Gargallo o Juli González, con sus nuevas técnicas de trabajo del hierro, consiguieron ennoblecer el hierro e incorporarlo en el arte de vanguardia.Para hacer esculturas, el hierro se usa mediante distintas técnicas de trabajo. La más utilizada es el repujado. Pero también existe la soldadura eléctrica y la soldadura autógena.El repujado consiste en golpear chapas o varillas de hierro, en frío o en caliente, para darle las formas que se buscan. Cuando se trata de chapas también se utiliza la palabra batido que remite al movimiento que se realiza al batir manualmente la crema de leche.La soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el método anterior, etc.).La soldadura autógena es el tipo de soldadura que permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que la lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticas.Actualmente se usa el acero corten, para realizar esculturas que estarán a la intemperie.
El hierro es, después del aluminio, el metal más abundante de la naturaleza: constituye el 5% de la superficie terrestre. Las dos aleaciones más importantes del hierro son el acero y la fosa o hierro colado. La forja de hierro, descubierta por los hititas a mediados del segundo milenio antes de Cristo, se propagó por toda Europa un milenio más tarde, a causa del influjo de griegos, fenicios y otros pueblos. En la cultura de la Tène el uso del hierro tuvo un incremento extraordinario. Se usaba para hacer armas y utensilios para la agricultura y la decoración. En la Edad Media se usaba como elemento protector de las puertas, hasta evolucionar hacia la constitución de elementos decorativos. Comenzó así su uso en rejas, de gran importancia en el gótico y el Renacimiento. En la escultura moderna también se ha incorporado la forja. Y aunque el hierro se usa para muchas cosas que no tienen nada que ver con el arte, escultores como Pablo Gargallo o Juli González, con sus nuevas técnicas de trabajo del hierro, consiguieron ennoblecer el hierro e incorporarlo en el arte de vanguardia.Para hacer esculturas, el hierro se usa mediante distintas técnicas de trabajo. La más utilizada es el repujado. Pero también existe la soldadura eléctrica y la soldadura autógena.El repujado consiste en golpear chapas o varillas de hierro, en frío o en caliente, para darle las formas que se buscan. Cuando se trata de chapas también se utiliza la palabra batido que remite al movimiento que se realiza al batir manualmente la crema de leche.La soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el método anterior, etc.).La soldadura autógena es el tipo de soldadura que permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que la lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticas.Actualmente se usa el acero corten, para realizar esculturas que estarán a la intemperie.
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ESCULTURA EM BRONZE
Escultura de bronce
El bronce es una aleación metálica que tiene como base el cobre combinado con un 8 a 40% de estaño y, a menudo, pequeñas proporciones de otros elementos (como el zinc, el aluminio, el antimonio, o el fósforo). De obtención, preparación y elaboración fácil, el bronce ha sido usado desde tiempos prehistóricos. Su naturaleza poco afectada por la corrosión, y su gran sonoridad y buen pulimento son tres de las características que hacen del bronce un material muy adecuado para los moldes de fundido. En tiempos antiguos se usó para fabricar herramientas y armas, hasta que llegó el hierro y lo desbancó. Entonces el bronce paso a utilizarse para usos ornamentales y de lujo, y se convirtió en el material insustituible para hacer campanas y obras de arte, como las esculturas de bronceEn escultura los metales como el bronce se utilizan especialmente en monumentos públicos - cuando caminamos por las calles o plazas de una ciudad, muy a menudo pasamos por delante de monumentos de bronce-, y su uso en escultura tiene muchas más aplicaciones y abraza des de obres de dimensiones imponentes (como las puertas del baptisterio de Florencia) hasta estatuas de pocos centímetros (como las estatuitas de bronce de gran difusión en el coleccionismo privado).El metal más utilizado con diferencia para la escultura es el bronce, que se trabaja mediante distintas técnicas de las cuales la más extensa es la de la “cera perdida”. Este procedimiento consiste en aplicar directamente la cera sobre un núcleo de arcilla reforzado internamente por una estructura de hierro. Seguidamente, se recubre el modelo con una capa de tierra bastante espesa para que pueda soportar la presión de la colada metálica. Esta cobertura (que recibe el nombre de molde) presenta un sistema complejo de canales para el paso de la cera y de ventilación para la expulsión del vapor que produce la fusión. La cocción de esta masa en el horno provoca la fusión de la cera, que se elimina a través de los conductos pertinentes y endurece la tierra del núcleo y del molde. En el hueco ocupado por la cera se introduce la aleación fundida que, al solidificarse, reproduce el modelo. Entonces se deshace la cobertura de tierra y se extrae el núcleo interno. De esta manera se obtiene el producto definitivo, que es un ejemplar único ya que ha hecho falta romper el molde y se ha perdido el modelo de cera (otras técnicas, en cambio, permiten reproducir más copias del modelo).Para las medallas también se puede recurrir al procedimiento de la acuñación, típico de las monedas, que consiste en imprimir sobre un circulo metálico una imagen entallada en negativo sobre una matriz de un metal muy duro (la matriz se denomina acuño).Algunas esculturas de metal se fabrican mediante la técnica del repujado, un procedimiento más propio de la orfebrería. En este caso, en lugar de tirar el metal fundido en un molde, se trata de modelar en frío la imagen en una plancha trabajándola por detrás con un punzón.
El bronce es una aleación metálica que tiene como base el cobre combinado con un 8 a 40% de estaño y, a menudo, pequeñas proporciones de otros elementos (como el zinc, el aluminio, el antimonio, o el fósforo). De obtención, preparación y elaboración fácil, el bronce ha sido usado desde tiempos prehistóricos. Su naturaleza poco afectada por la corrosión, y su gran sonoridad y buen pulimento son tres de las características que hacen del bronce un material muy adecuado para los moldes de fundido. En tiempos antiguos se usó para fabricar herramientas y armas, hasta que llegó el hierro y lo desbancó. Entonces el bronce paso a utilizarse para usos ornamentales y de lujo, y se convirtió en el material insustituible para hacer campanas y obras de arte, como las esculturas de bronceEn escultura los metales como el bronce se utilizan especialmente en monumentos públicos - cuando caminamos por las calles o plazas de una ciudad, muy a menudo pasamos por delante de monumentos de bronce-, y su uso en escultura tiene muchas más aplicaciones y abraza des de obres de dimensiones imponentes (como las puertas del baptisterio de Florencia) hasta estatuas de pocos centímetros (como las estatuitas de bronce de gran difusión en el coleccionismo privado).El metal más utilizado con diferencia para la escultura es el bronce, que se trabaja mediante distintas técnicas de las cuales la más extensa es la de la “cera perdida”. Este procedimiento consiste en aplicar directamente la cera sobre un núcleo de arcilla reforzado internamente por una estructura de hierro. Seguidamente, se recubre el modelo con una capa de tierra bastante espesa para que pueda soportar la presión de la colada metálica. Esta cobertura (que recibe el nombre de molde) presenta un sistema complejo de canales para el paso de la cera y de ventilación para la expulsión del vapor que produce la fusión. La cocción de esta masa en el horno provoca la fusión de la cera, que se elimina a través de los conductos pertinentes y endurece la tierra del núcleo y del molde. En el hueco ocupado por la cera se introduce la aleación fundida que, al solidificarse, reproduce el modelo. Entonces se deshace la cobertura de tierra y se extrae el núcleo interno. De esta manera se obtiene el producto definitivo, que es un ejemplar único ya que ha hecho falta romper el molde y se ha perdido el modelo de cera (otras técnicas, en cambio, permiten reproducir más copias del modelo).Para las medallas también se puede recurrir al procedimiento de la acuñación, típico de las monedas, que consiste en imprimir sobre un circulo metálico una imagen entallada en negativo sobre una matriz de un metal muy duro (la matriz se denomina acuño).Algunas esculturas de metal se fabrican mediante la técnica del repujado, un procedimiento más propio de la orfebrería. En este caso, en lugar de tirar el metal fundido en un molde, se trata de modelar en frío la imagen en una plancha trabajándola por detrás con un punzón.
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ARTE GRABADOS
Grabados
Es una técnica artística con la que se obtiene una estampa o imagen impresa mediante una plancha de impresión. El grabado conlleva un conjunto de procesos de duplicación, creación, y reproducción de imágenes.
Es una técnica artística con la que se obtiene una estampa o imagen impresa mediante una plancha de impresión. El grabado conlleva un conjunto de procesos de duplicación, creación, y reproducción de imágenes.
MÉTODOS DE ESTAMPACIÓN
Los métodos de estampación que se utilizan en el grabado se pueden clasificar en tres grupos: el tipográfico, el caligráfico y el planográfico. En el primero, se distinguen la xilografía y la litografía. En el calcográfico, se diferencian las técnicas directas, como son el buril, la punta seca y las rutinas; y las indirectas, que son el barniz blanco, el aguafuerte, la aguatinta, el jaspeado y muchas otras. Por último, el método planográfico, que se divide en litografía y serigrafía. Algunos de los más importantes, son el grabado a fibra, el grabado a punta, el grabado al aguafuerte, y el grabado a media tinta.El método de grabado más antiguo es el grabado a fibra. Tradicionalmente, para hacerlo se usaban las maderas de frutales, como el cerezo o el peral, dejando de lado las de roble, demasiado duras para ser talladas. En el siglo XX, y todavía hoy, los artistas del grabado se decantan por maderas más blancas, como el pino.Profundicemos en la técnica del grabado a punta, que consiste en dibujar la imagen sobre una lámina de zinc o de cobre –similar a la del grabado buril-. A medida que se va haciendo la incisión, con un instrumento que parece un lápiz, se va produciendo un surco levantando a ambos lados una especie de suaves crestas de metal llamadas “barbas”. Estas barbas retienen mayor cantidad de tinta y dan al trazo de la punta seca un aspecto rico y aterciopelado. Hacer un grabado al aguafuerte es otra historia. Primero se recubre una plancha de metal con una sustancia protectora con base de cera, resistente a los ácidos. Después el artista dibuja la imagen sobre la lámina con una punta metálica muy afilada que va eliminando la capa de cera por donde va pasando.El grabado a media tinta es uno de los procedimientos más importantes y más utilizados. Se trata de un método de grabado en hueco. Los instrumentos necesarios son distintos tipos de raedores y el graneador de media tinta, un utensilio pesado con un borde semicircular dentado, que al aplicarse con un movimiento de balanceo sobre la lámina de cobre deja las marcas de los dientes en la superficie.
GRABADORES
Algunos de los grabadores más importantes son Antonio Alegre Cremades, Alfredo de Vincenzo, Carlos Cortez, John Martin, Lynd Warol y Emilio Vedova. Antonio Alegre Cremades, nació en Alginet (Valencia) el 1939. Es pintor, grabador y escultor. Obtuvo el Primer Premio en Grabado de la Dirección General de Bellas Artes de Madrid en 1964, entre otros muchos guardones. Su obra está representada en el Museo Nacional Contemporáneo de Madrid, en el Museo de Arte Contemporáneo de Pontevedra, en el museo de Arte Moderno de Barcelona, en el Museo de la Ciudad de Valencia.John Martin (1789-1854) fue uno de los artistas ingleses más importantes de su época. Es famoso por su gran cantidad de grabados. Ingresó como aprendiz de decorador en 1803, en el taller de un fabricante de carruajes, trasladándose a Londres tres años más tarde para trabajar como pintor de porcelanas y de cristales. Su fama llegó a su punto más álgido cuando realizó en 1821 el tema bíblico El festín de Baltasar.
ARTE CONTEMPORANEA
Arte Contemporáneo
El arte contemporáneo es un estilo que abarca una multitud de estilos nacidos a principios del siglo XX.
El arte contemporáneo es un estilo que abarca una multitud de estilos nacidos a principios del siglo XX.
FAUVISMO
En primer lugar, el fauvismo marcó las directrices artísticas entre 1904 y 1907. Se trataba de una reacción contra el impresionismo. El color era el elemento principal del cuadro y se utilizaba de una manera apasionada. Los artistas del fauvismo, tales como Vlaminck, Signac y Henri Matisse, se inclinaban por las manchas planas y extensas. Este estilo de arte contemporáneo fue efímero, pero algunos de sus seguidores continuaron aplicando la técnica fauvista, como es el caso del pintor contemporáneo Dufy.
CUBISMO
En segundo lugar, dentro de lo que llamamos “arte contemporáneo” también se encuentra el cubismo, cuyos creadores fueron Pablo Picasso y Georges Braques. El movimiento se desarrolló entre 1904 y 1917 y sus características principales son: el uso de tonos neutros (grises, blancos, verdes claros), los ángulos de observación del objeto, que se multiplican para obtener una cuarta dimensión; los interiores, que son representados mediante transparencias; la luz, que desaparece definitivamente; y por último, la exaltación del plano, que se hace más intensa que en el fauvismo.
EXPRESIONISMO
El expresionismo ha sido también uno de los estilos del arte contemporáneo. El movimiento surgió en Alemania en 1905 cuando se constituyó en Dresden el estilo llamado Die Brücke (el puente). Sus antecesores se remontaban al último tercio del siglo XIX: eran Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Munch y Ensor. Desde su fundación Die Brücke celebró exposiciones que fueron recibidas con escándalo e incomprensión. Los expresionistas expresaban las angustias internas del individuo mediante una pintura dramática, expresiva, y a través de la deformación y caricaturización de las figuras. Algunos de los miembros más importantes de este estilo fueron: Krichner, Schmidt- Rottluff y Emil Nolde.
DADAÍSMO
Por otra parte, al referirse al arte contemporáneo también es importante señalar el movimiento dadá. Se desarrolló entre 1915 y 1922 en Zúrich en protesta por la primera guerra mundial y después se extendió a Berlín, París, y Nueva York. Los fundadores del dadaísmo fueron Hans Arp y el poeta Tristan Tzara, quienes quisieron mofarse del arte tradicional ridiculizando la tecnología y el progreso. Los artistas de este movimiento tenían como uno de sus objetivos el de escandalizar a la burguesía. Uno de los métodos que utilizaban para este fin era realizar cuadros con basuras, o elevar un orinal a la categoría de arte. Tras la guerra, los dadaístas más representativos evolucionaron hacia posiciones diferentes y el movimiento se extinguió.
SURREALISMO
El surrealismo también se considera como arte contemporáneo. El término fue inventado por Apollinaire en 1917 y se hizo habitual en la revista Littérature. El movimiento comenzó en París en 1924 y continuó durante la década de los treinta. El surrealismo poseía conexiones con el dadaísmo y con la pintura de De Chirico. Los recursos que usaban los pintores de este estilo del arte contemporáneo son: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de elementos incongruentes, perspectivas vacías y la creación evocativa del caos. Los principales artistas fueron: Marcel Duchamp, Max Ernst, Salvador Dalí, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux, entre otros.Otros tipos de arte contemporáneoEl arte abstracto, el expresionismo abstracto, el arte cinético y el op art son otros de los estilos del arte contemporáneo. Las primeras manifestaciones de arte cinético se sitúan en 1910, el término proviene del griego kinesis (movimiento), por lo que se trataba de un estilo que incorpora el movimiento a la obra. Se podía distinguir entre las creaciones que se mueven al azar, sin motor, las que se mueven mecánicamente y, por último, las estáticas, con efectos de carácter óptico. Por otra parte, el op art (arte óptico) forma parte del arte cinético. Una de sus bases era que cualquier forma geométrica dibujada desde una cierta perspectiva puede perder su estabilidad en la retina de quien la contempla. El op art creó la impresión de movimiento mediante la ilusión óptica con la ayuda de medio pictóricos. El húngaro Victor Vasarely fue una de las figuras capitales del cinetismo.
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ARTE DO DESENHO
Dibujo
El dibujo es un arte visual en el que se representa algo en un medio bidimensional con el uso de la mano. En su mayoría, el papel es el soporte y el lápiz el instrumento, aunque, en la actualidad, el ordenador es también un medio muy usado para realizar este tipo de arte. Es entonces cuando hablamos de dibujo digital.El dibujo, además de constituir un tipo de arte por si mismo, es el fundamento de cualquier trabajo artístico. Cualquier pintura, escultura o grabado acostumbra a partir de un esbozo hecho en lápiz.
El dibujo es un arte visual en el que se representa algo en un medio bidimensional con el uso de la mano. En su mayoría, el papel es el soporte y el lápiz el instrumento, aunque, en la actualidad, el ordenador es también un medio muy usado para realizar este tipo de arte. Es entonces cuando hablamos de dibujo digital.El dibujo, además de constituir un tipo de arte por si mismo, es el fundamento de cualquier trabajo artístico. Cualquier pintura, escultura o grabado acostumbra a partir de un esbozo hecho en lápiz.
UN POCO DE HISTORIA
Los primeros dibujos se encuentran en la etapa prehistórica, cuando los homo erectus, los humanos de esa época, representaban en las paredes lo que ellos consideraban importante transmitir: cazas, animales, comida… Por ese entonces el dibujo era muy importante ya que adquiría la función de lenguaje, usado para transmitir ideas sin necesidad de mediar palabras. Aún ahora se considera el dibujo como un lenguaje universal. De ahí que existan dibujos que han sido reconocidos como íconos. La torre Eiffel, por ejemplo, es un icono de Francia y París, que se esboza como una larga torre con barras cruzadas en forma de cruz.
MATERIALES DE DIBUJO
El material de dibujo está compuesto por utensilios muy sencillos, algunos tan populares como el lápiz. Hay gran variedad de lápices dependiendo de la dureza de la mina, fabricada de un mineral llamado grafito. La dureza del lápiz viene indicada por un número y una letra grabados en el costado. Los lápices grabados con la letra H son los de mina dura y trazo suave, y los lápices con la indicación B son los de mina blanda y trazo intenso. Los lápices más aconsejables para dibujar son los blandos, por su trazo intenso. El carboncillo, rama de sauce carbonizada con forma de barrita irregular de distinto grosores, es el más simple y antiguo de los medios de dibujo. La diferencia básica entre el grafito y el carbón radica en que éste es una sustancia seca, mientras que el grafito es graso. Cretas, papeles, pasteles, portaminas, afilalápices, fijadores y gomas de borrar son otros de los utensilios necesarios para realizar un buen dibujo
TÉCNICAS DE DIBUJO
La vitalidad del dibujo se debe a los cambios de grosor de las líneas y a los movimientos. Las líneas verticales comunican efectos de fuerza; las horizontales, quietud o reposo; las diagonales, movimiento; y las curvas, gracia. Una de las técnicas esenciales del dibujo es el sombreado, es decir, la transición progresiva de los tonos claros a los oscuros y viceversa. Este el método más directo para representar el volumen de los objetos reales, el espacio, la sensación de profundidad y la atmósfera. El volumen es lo que confiere cuerpo a los objetos y las figuras y aquello que nos las hace cercanas y presentes. La representación de la perspectiva y el encaje y modelado de la figura son otras dos de las técnicas básicas que constituyen la esencia de este arte.
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ARTE ATUAL
Arte actual
El arte actual son las artes plásticas que existen en el momento presente.
El arte actual son las artes plásticas que existen en el momento presente.
LA PINTURA ACTUAL
Algunos críticos e historiadores han escrito que la pintura actual es una especie de mezcla de las pinturas anteriores conocidas como el fenómeno de los “ismos”: fauvismo, expresionismo, futurismo, surrealismo, dadaísmo, cubismo… Algunos de los pintores considerados como artistas actuales son Picasso, Dalí, Sequeiros, entre muchos otros. Como estilo pictórico reciente y actual cabe destacar el Rayonismo. Se trata de un movimiento artístico iniciado en Rusia, en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por Miguel Larionov y Natalia Goncharova, y profundizado en 1913. Es una síntesis de cubismo, futurismo y orfismo. El nombre “Rayonismo” se refiere a los "rayos de colores", ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias, que construyen el espacio pictórico de esta práctica. El cuadro debe parecer que flota en el tiempo y en el espacio, gracias a rayos de colores paralelos y perpendiculares.
LA ESCULTURA ACTUAL
Por lo que se refiere a la escultura actual, las formas, los procedimientos, los materiales y la noción misma han evolucionado mucho desde la antigüedad. A partir del siglo XX, los cambios han sido radicales. Hoy, los artistas que los impulsaron se han convertido en nuevos clásicos, además de establecer un puente entre el pasado lejano y el presente. Algunos de los autores clave (Calder, Caro, Chillida, Duchamp, Miró, Moore, Oldenburg) sirven como marco de referencia para explicar la escultura contemporánea, representada por las obras de jóvenes creadores, por ejemplo las emplazadas en el Jardín de Esculturas, anexo a la Fundación Joan Miró.
LA ARQUITECTURA ACTUAL
En el panorama de la arquitectura actual hay dos figuras que lo definen perfectamente: el canadiense Frank Gehry (1929) y el español Rafael Moneo (1940). Gehry se caracteriza por un estilo anteclásico y rebelde en el que las formas se mueven con total libertad. En su obra maestra, el Museo Guggenheim de Bilbao, de 1998, los espacios tridimensionales crean una sensación de vitalidad permanente, mientras que en el exterior las cubiertas bombadas de titanio le dan una belleza espectacular que algunos consideran “terrible”. En cambio, Moneo tiene un estilo equilibrado y clásico. El español respeta los materiales clásicos, con un sentido minimalista, y dota a los espacios de una funcionalidad y grandiosidad, como es el caso del Museo de Mérida o de la estación de Atocha de Madrid.
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