JOHN CONSTABLE - 66 - Pintor

AUTORRETRATO DE JOHN CONSTABLE

(East Bergholt, Suffolk, 1776 – Londres 1837)

John Constable, pintor británico. Su infancia transcurrió en el ambiente rural de los molinos de Dedham y Flatford, que pertenecían a su padre, un rico molinero y miembro relevante en su comunidad. En esa época asistió a algunas clases, pero básicamente fue autodidacta. A partir de 1795, realizó frecuentes viajes a Londres, donde trabajaba como dibujante topográfico. En 1799, entró como alumno en la Academia Real, en cuyo Salón expuso en 1802. Fue ese mismo año cuando rechazó ser profesor de dibujo en la universidad militar de Marlon. Constable había decido hacerse pintor paisajista profesional. Acuarela, tiza y lápiz siempre le acompañaban para realizar sus dibujos de senderos, cabañas y puentes de las cercanías de su entorno.

Algunas obras de John Constable

Vista al puente de Waterloo desde Whitehall Stairs, 18 de Junio 1817
Vista a Epsom
Vista a Highgate
Flores en un vaso de vidrio, estudio
Barcos en el Stour con la iglésia de Deadham al fondo
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Fue aconsejado y estimulado por Benjamin West, cuya influencia queda patente en el retablo de la iglesia de Brathem (1804). Sin embargo, fueron especialmente Gainsborough, los maestros neerlandeses y Girtin quienes influyeron en la obra del gran paisajista, cuya huella será profunda en los pintores, de Fontainebleau, de Barbizon y en el movimiento romántico en general. Su Carreta de heno (1821, Galería Nacional, Londres), decidió su triunfo en el Salón de París.Constable fue uno de los primeros en pintar paisajes al aire libre. En 1810 pintó el primero. En 1819 viajó a Venecia y Roma, ciudades en las que conoce los paisajes clasicistas de Claudio de Lorena y de Nicolas Poussin. Frecuentaba también Hampstead, donde, entre 1821 y 1822, hizo una serie de estudios de nubes anotando la hora y la fecha exacta de la realización, incluso a veces el tiempo que hacía.Incomparable maestro de los verdes y de los reflejos de la lluvia sobre los árboles, Constable se muestra al mismo tiempo realista minucioso y romántico exaltado, y cuando estas tendencias se equilibran nacen sus obras maestras: La catedral de Salisbury vista desde el jardín del obispado (1823, Museo Victoria y Alberto), El campo de trigo (1826, Galería Nacional, Londres), Castillo de Hadleigh (1829). Nadie ha sabido captar como él el aspecto húmedo de la campiña inglesa y su cielo plomizo.

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FRANÇOIS BOUCHER - 65 - Pintor

RRetrato de François Boucher

(París 1703 - 1770)

François Boucher, pintor y grabador francés. Ha sido uno de los mayores exponentes del estilo rococó francés. Famoso por sus pinturas idílicas de temas mitológicos y sus retratos de Madame de Pompadour.Hijo de Nicolas Boucher, fue seguramente el decorador más famoso del siglo XVIII, con su estilo rococó. Premio de Roma en 1723. En 1727 pasó a Italia, donde experimentó la influencia de Tiépolo. Vuelto a Francia en 1731, trabajó activamente. Ingresó en la Academia de bellas artes en 1734 (de esa época su obra Reinaldo y Armida) y en 1765 fue nombrado director de dicha institución.
Algunas obras de François Boucher
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Éxitos y prebendas se sucedieron en su carrera artística sin interrupción. Profesor de dibujo de Madame de Pompadour, protegido de M.de Marigny, hermano de ésta, director de la fábrica de Gobelnos y primer pintor del rey. Hasta su muerte fue el pontífice del arte de la época. Dotado de prodigiosa fecundidad, Boucher multiplicó lienzos, decoraciones, grisallas y cartones de tapices. Pintó escenas mitológicas de delicado encanto, en las que se aprecia el influjo de Veronés, Rubens y Watteau, así como retratos, paisajes, temas religiosos y desnudos. Decoró la manufactura real de Beauvais, la Opera de París y las salas del primer piso del palacio de Soubise, una de sus obras maestras. Entre sus numerosos cuadros sobresalen: Venus en el tocador, Diana en el baño, El pintor en su taller, en el Louvre los tres, y una serie de “chinoiseries” conservadas en el museo de Besançon. Pero lo mejor de la producción de Boucher pertenece a la colección Wallace (Londres), rica sobre todo en obras decorativas. Dejó asimismo millares de dibujos, conservados en parte en el Louvre.

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ARNOLD BÖCKLIN- 64 - Pintor

AUTORRETRATO COM LA MUERTE TOCANDO EL VIOLIN-1874

(Basilea 1827- Fiesole 1901)

Arnold Böcklin, pintor suizo encuadrado en el movimiento artístico del Simbolismo y discípulo de Schirner en Düsseldorf. Estudió en Düsseldorf, donde conoció a Ludwig Andreas Feuerbach. En sus inicios era pintor de paisajes. Después de sus viajes por Bélgica, Suiza e Italia quedó impregnado por el arte renacentista y a la atmósfera del Mediterráneo, lo cual condujo a una inclusión de figuras mitológicas y alegóricas en su obra.

Algunas obras de Arnold Böcklin
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Böcklin trabajó en Basilea, Munich y Weimar, ciudad donde fue profesor (1860) de paisaje en la nueva escuela de bellas artes. Más tarde fijó su residencia en Italia (1876). Sus Villas a orillas del mar tienen más calidad que sus pinturas de género o de asunto histórico. Con un espíritu netamente romántico, pero que no desdeña la tradición romana, pintó una serie de cuadros cuyo tema es una especie de mitología medio pagana, medio germánica. Entre sus obras: Día de primavera, Centauro ninfa (Berlín), Los juegos de la ola (Munich), La isla de los muertos, Vita somnium breve, Paolo y Francesca (Weimar), Venus Genitrix (Basilea).Influído por el Romanticismo, pero dentro del estilo del Art Nouveau, sus obras están repletas de figuras fantásticas, bajo construcciones provenientes de la arquitectura clásica (que revelan a menudo una obsesión con la muerte), creando un mundo extraño, de fantasía. De ahí que una de sus obras más famosas fuera La isla de los muertos, que inspiró a varios compositores como Rachmaninov a hacer poemas sinfónicos.

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PÉREZ MURILLO - 63 - Pintor

PÉREZ MURILLO

( Sevilla, 1617- Cádiz, 1682)

Bartolomé Esteban Pérez Murillo fue un gran maestro de la pintura barroca española. Hijo de un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban y de María Pérez Murillo, de quién tomó el apellido para firmar su obra. Pese a gozar de una buena situación económica familiar, se queda huérfano de padre con tan solo nueve años, y de madre al año siguiente. No hay una data exacta en la que se confirme cuando Bartolomé Esteban Murillo empezó su aprendizaje en la pintura, aunque todo parece indicar que fue en 1633, poco después de su viaje a las Indias. Así pues, con casi dieciséis años, Murillo entró en el taller del pintor Juan del Castillo, dónde permaneció hasta 1638, cuando parece ser que Castillo se trasladó a Granada. Murillo eligió a Castillo como maestro ya que compartían ciertos vínculos familiares.
Algunas obras de Bartolomé Esteban Perez Murillo
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Murillo estableció amistad con el pintor Velázquez, quién le invitó cordialmente a residir a su casa y le facilitó la visita a las colecciones pictóricas del Palacio Real, del Buen Retiro y de El Escorial. Asimismo, Murillo pidió a Velázquez cartas que le sirvieran de ayuda en un viaje a Italia, que pensaba realizar pero nunca llegó a emprender.En 1644 Murillo fue recibido como hermano en la Cofradía del Rosario de la Iglesia de la Magdalena de Sevilla. Un año más tarde, Bartolomé Murillo pintó trece lienzos para el claustro de San Francisco el Grande de Sevilla, el cual le proporcionó un justificado renombre. También en 1645 se abrió una nueva era en la vida familiar de Murillo. El 26 de febrero, cumplidos los veintisiete, contrae matrimonio en la misma iglesia de la Magdalena en que fuera bautizado con doña Beatriz Cabrera y Villalobos. Con ella tuvo nueve hijos, cuatro de los cuales murieron en la epidemia de peste que se padeció en Sevilla, en 1649. A raíz de un par de cuadros que llevó a cabo para la Catedral de Sevilla, Murillo empezó a especializarse en los dos temas que más fama le han proporcionado: las vírgenes con niños y las Inmaculadas.Murillo y su familia se trasladaron a la parroquia de San Bartolomé en 1663, dónde pasaron casi dos décadas. Por esta época Murillo ya era el primer pintor de Sevilla, por lo que además de multiplicarse su fama, también lo hacían sus ingresos, sobre todo gracias a la clientela eclesiástica. En estos años Murillo constituyó la Academia de pintura en Sevilla, dónde se perfeccionaban los pintores, escultores y decoradores sevillanos. Los dos primeros presidentes de la Academia fueron Francisco Herrera el Joven y Murillo. Pero los dos abandonaron el cargo poco después.Murillo también permaneció en la Hermandad de San Lucas, que acogía a los pintores sevillanos en su capilla en la iglesia de San Andrés. En 1663 la esposa de Murillo, Beatriz Cabrera, murió coincidiendo con su último parto. A partir de este momento, Murillo vivió en la parroquia de San Bartolomé. Durante estos años, Bartolomé realizó diferentes trabajos. En la década de los 70 inició los trabajos vinculados a las ceremonias de canonización de Fernando III, y se cuenta que su fama había llegado a la Corte y que Carlos II le pidió que se trasladase a Madrid, a lo que él contestó que ya tenía demasiada edad para eso.En 1680 abandonó esta parroquia para irse a la de Santa Cruz, donde permaneció hasta el fin de sus días, pues mientras pintaba el retablo de los Capuchinos de Cádiz cayó y días después, el 3 de abril de 1682, Murillo moría a causa del golpe.Por lo que se refiere al estilo de pintor barroco español, en sus primeros trabajos empleó una luz uniforme, sin apenas recurrir a los contrastes. En la década de 1640, este estilo cambió ya que es cuando trabajó en el claustro de San Francisco y manifestó un marcado acento tenebrista, influenciado por Zurbarán y Ribera. Este estilo se mantuvo hasta 1655, momento en el que Murillo adoptó la manera de trabajar de Herra el Mozo, caracterizándose así, por sus transparencias y juegos de contraluces, tomados de Van Dyck, Rubens y la escuela veneciana. También es un rasgo significativo de esta época el empleo de sutiles gradaciones lumínicas con las que consigue crear una sensacional perspectiva aérea, acompañada del empleo de tonalidades transparentes y efectos luminosos resplandecientes. La época en la que Murillo llegó a la cima del éxito fue en el Romanticismo, se hicieron numerosas copias que fueron vendida a los extranjeros que visitaban España.Algunas de las obras más importantes de Murillo son: Vendedores de fruta, Mujeres en la ventana, Dos niños comiendo melón y uvas, y La Virgen del Rosario con el Niño.

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Texto: Artelista.com

JACQUES-LOUIS DAVID - 62 - Pintor

Retrato de Jacques-Louis David -1794

(Museo del Louvre - Paris)

(Paris 1748 - Bruselas 1825)

Jacques Louis David, pintor francés, fundador y jefe de la escuela neoclásica, un artista que sobresalió durante la Revolución y bajo el Primer imperio. Por consejo de Boucher entró en el taller de Vien. Alumno de la Academia (1766), obtuvo el premio de Roma (1744) y acompañó a su maestro en un viaje por Italia, donde descubrió la antigüedad romana y sufrió la influencia de los teóricos del neoclasicismo (Lessing, Winckelmann, Quatremère de Quincy). A esta época pertenece Antíoco y Estratónice. En su segundo viaje a Roma, donde permaneció cinco años, adoptó una técnica del claroscuro derivada de Caravaggio. En Roma pintó El juramento de los Horacios (1785, Louvre), simultaneando las grandes composiciones con los retratos (Conde Potocki, Los señores de Pécoul, Louvre) y con escenas inspiradas en la historia antigua (Sócrates bebiendo la cicuta, 1787; Los amores de Paris y Helena; El regreso de Bruto a su hogar, 1789).

Algunas obras de Jacques-Louis David
Llegada de Napoleón al consejo
La muerte de Marat
Le sacre, detalle
Leónidas en las Termópilas
Los Lictores traen a Bruto sus hijos muertos, detalle
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David, que ostentó importantes cargos en la revolución, contribuyó a la supresión de la Academia y votó la muerte del rey. La asamblea constituyente le encargó El juramento del juego de la pelota, inmensa composición que no pudo terminar por estar la mayoría de los protagonistas acusados de sospechosos. De esta época son también diversos retratos de mártires revolucionarios: Los últimos momentos de Lepelletier y Marat asesinado en su bañera. Amigo de Robespierre, Jacques Louis David fue arrastrado en su caída y encarcelado en Luxemburgo. Desde la ventana de su encierro pintó El jardín de Luxemburgo (1794, Louvre). Liberado definitivamente en 1795, fue nombrado miembro del Instituto, y se convirtió en el retratista oficial del general Bonaparte (Napoleón en Arcole). David rechazó los cargos de consejero de estado y senador para consagrarse a las grandes composiciones (Las sabinas, 1799, Louvre), obra con la que pretendió dar una lección de tolerancia a los franceses ideológicamente divididos. Bajo el Imperio, fue nombrado pintor de cámara de Napoleón (Bonaparte en el San Bernardo, 1800, Museo de Versalles; La coronación, 1808, Louvre, ambiciosa composición con un centenar de retratos; El reparto de las águilas, 1810, Versalles). En 1814, expuso en su taller Leónidas de las Termópilas (Louvre), lienzo en el que trabajó durante catorce años. Desterrado al advenimiento de la restauración, se retiró a Bruselas (1816), donde siguió pintando. Los desnudos de la última época Amor y Psiquis (1817) y Marte desarmado (1824) anuncian los del pintor Ingres, uno de sus discípulos.Casi toda la obra de David está en París (Louvre, Petit Palais, Jacquemart-André, escuela de bellas artes). Cuadros suyos hay también en los museos de Nueva York, Berlín, Roma, Viena,Washington. Entre sus numerosos discípulos destacan: Gérard, Girodet, Gros e Ingres.

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JOSÉ DE RIBERA - 61 - Pintor

AUTORRETRATO DE JOSÉ DE RIBERA

(Xátiva 1591- Nápoles 1652)

También conocido como Jusepe de Ribera o Giuseppe Ribera en italiano. Pintor y grabador tenebrista español del siglo XVII. También fue llamado, por sus contemporáneos Lo Spagnoletto, o "el pequeño español", por su costumbre de firmar así sus obras.Fue hijo de un zapatero, y aunque se carece de datos firmes acerca de sus comienzos artísticos, se sabe que estudió pintura en Valencia. Fue allí discípulo de F. Ribalta. Pero esta indicación tardía, aunque no improbable, es más una deducción que una noticia, y no está corroborada por documento alguno ni por relaciones concretas de orden estilístico. Lo que Ribera pudo pintar por entonces nos es desconocido en absoluto.Hacia 1608-1610 marchó a Italia, de donde no había de volver. Consta que anduvo algún tiempo por Lombardía, y que en Parma llegó a realizar un encargo público que le llevó a admiraciones y rivalidades.
Algunas obras de José de Ribera
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Gracias a investigaciones recientes, actualmente se posee bastante información de su época romana, antes muy oscura. Ribera llevó en Roma una vida pobre y bohemia, y durante cierto tiempo tuvo que trabajar por cuenta de otros pintores con taller establecido. Con él vivía su hermano Juan, dos años más joven, también pintor y que luego pasaría asimismo a Nápoles. Fue miembro de la Academia de san Lucas, y un testigo de excepción, el tratadista G. Mancini, señala que desde hacía mucho no había aparecido en Roma un pintor de mayores dotes naturales, que llegó a obtener gran fama y que sus cuadros fueron muy estimados por su resolución y colorido, a la manera de Caravaggio, pero “más tinto y más fiero”.En 1616 se trasladó a Nápoles, donde residiría hasta su muerte, y se casó con la hija de un pintor local, Azzolino. Ribera se afirmó muy pronto como la personalidad más prestigiosa del foco pictórico napolitano, que por entonces se estaba convirtiendo en uno de los más brillantes de Italia. Y desde Nápoles su fama se extendió por Europa. Buena parte de su producción fue realizada para la élite española que regía el aparato gubernamental de Nápoles, especialmente para los virreyes, la mayoría de los cuales le fueron adoptando como pintor de cámara oficioso. A través de la clientela aristocrática, muchas obras riberianas fueron pasando contemporáneamente por España, donde valieron a su autor un prestigio sólo comparable con el de Velázquez. Ribera trabajó para iglesias napolitanas, tales como el Jesús Nuevo, Santa Trinidad de las Monjas, la capilla de San Jenaro de la catedral y, sobretodo, la cartuja de San Martín, que guarda un magnífico conjunto de obras suyas (Piedad, serie de Profetas, Comunión de los apóstoles).Entre 1620 y 1626 no se conocen pinturas suyas. A este tiempo pertenecen, en cambio, la mayoría de sus grabados, no inferiores en maestría técnica a sus obras de pincel.Estas estampas contribuyeron considerablemente a difundir por Europa su fama: el Martirio de San Bartolomé, grabado en 1624, fue la invención del maestro más veces copiada, y la serie de estampas hecha con miras pedagógicas que representa particulares de anatomía humana vino a constituir, directamente o a través de imitaciones, una de las cartillas de iniciación al dibujo más en uso durante los siglos XVII y XVIII.A partir de 1626, el desarrollo pictórico de Ribera puede seguirse puntualmente, ya que desde ese momento se poseen cuadros suyos firmados y fechados en casi todos los años. La sección mayor de su catálogo está compuesta por asuntos religiosos: personajes o escenas del Antiguo Testamento; figuras aisladas de santos, entre las que son muy abundantes las de penitentes; escenas de milagros y de martirios, en los que, contra lo que se ha dicho, el pintor sólo muestra derramamientos de sangre, prefiriendo fijar los momentos que anteceden o siguen al suplicio propiamente dicho; episodios del Nuevo Testamento… Estos temas no se distribuyen uniformemente en el tiempo, sino que su frecuencia relativa está íntimamente relacionada con la evolución estilística y espiritual del artista.La alianza de violentos contrastes de luz, de plasticismo duro, de ajuste infalible en la descripción microscópica de los detalles y de la propensión a la monumentalidad compositiva, peculiar de Ribera antes de 1634 aproximadamente, acusa desde entonces asimilaciones de “neovenecianismo” y de mercados e influjos boloñeses.Es una evolución que, sin abandonar las posiciones naturalistas, tiende hacia una pintura más o menos solar y menos cuajada de materia, abierta hacia el pleno barroco. Y esta orientación se va concretando simultáneamente en un repertorio iconográfico que cada vez da mayor cabida y se complace más en los asuntos amables, y que se revela asimismo en el distinto tono de sentimiento que anida en los temas adustos.Ribera cultivó también temas de mitología, a veces con acentos desmitificadores e irónicos aproximables a los de Velázquez; otros adoptando el énfasis humanista tradicional; en algunos cuadros de este género desarrolló con impresionante crudeza el motivo del sentimiento físico.El gusto de Ribera por lo característico y lo popular, por los individuos de carne y hueso, encontró un campo para manifestarse mucho más libre que en la pintura de asunto religioso o mitológico en las series de Filósofos, pintorescas evocaciones de sabios de la antigüedad clásica, y en representaciones de mendigos y otros tipos de la vida circundante, que constituyen uno de los aspectos más atractivos de su producción: El bebedor de moscatel, El alegre bebedor, La muchacha de la pandereta y El muchacho del tiesto.
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PISANELLO - 60 - Pintor

PISANELO

(Pisa 1395- Nápoles 1450)

Antonio di Puccio Pisano , conocido como Pisanello, fue pintor y medallista italiano. Se formó en Verona junto a Stefano da Zevio y Gentile da Fabriano, cuya manera cortesana constituyó la base de su estilo. Pisanello llevó al límite la caligrafía minuciosa de las formas, la precisión elegante de las siluetas, todos los caprichos de un realismo audaz y penetrante. En Verona pintó sus obra maestras: La Madona de la codorniz y La Anunciación (fresco en San Fermo Maggiore) y, sobretodo, el fresco de Sant Anastasia: San Jorge salvando a la princesa de Trebisonda (1436). En 1425 viajó a Venecia con Gentile de Fabriano, y después marchó a Roma para terminar los frescos que este último había dejado inacabados en San Juan de Letrán (1431-1433, destruidos en el s.XVII). La primera medalla de Pisanello es la de Juan VII Paleólogo, ejecutada en Ferrara en 1438. Luego fue llamado a las principales cortes de Italia –Mantua, Milán, Rímini- donde realizó medallas con efigies grandiosas de los príncipes de su época: Lionello d’Este, de quien también hizo un retrato pictórico, Luis de Gonzaga, Felipe María Visconti y de Segismundo Malatesta. Estuvo asimismo en Nápoles y grabó medallas de Alfonso el Magnánimo, para quien trazó un proyecto de arco triunfal. Pisanello llevó el arte de la medalla a un nivel superior por la invención alegórica, el equilibrio de las composiciones y el tratamiento amplio y franco del metal. Fue un dibujante extraordinario, especialmente de animales.
Obras de Pisanello
Pato
Pato

Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena

Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia en Verona, escena
Frescos en Sant' Anastasia, escena
Fresco del monumento a Niccolò Brenzoni en San Fermo Maggiore en Verona, escena
Fresco del monumento a Niccolò Brenzoni en San Fermo Maggiore en Verona, escena
Visíon de la Madonna de San Antonio y San Jorge
Retrato de Lionello d'Este
Retrato de una princesa Ginevra d'Este
Cigüeña
Visión de San Eustacio
Pájaro
Virgen y cordoniz, escena
Virgen y cordoniz, escena
Virgen y cordoniz, escena
Virgen y cordoniz, escena
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GIUNTA PISANO - 59 - Pintor

(Pisa 1202-1258)

Giunta di Capitino, también llamado Giunta da Pisa o Giunta Pisano, pintor italiano activo en Pisa entre 1241 y 1254. En sus patéticas imágenes de Cristo crucificado se manifiesta un profundo influjo del expresionismo bizantino (Santa Maria degli Angeli, en Asís, y Santo Spirito, en Pisa). Su obra maestra es el imponente Crucifijo (1250) en el transepto izquierdo de la Basílica de Santo Domingo en Bolonia.Pisano pintó en la iglesia superior de Asis, en especial una Crucifixión datada en 1236, con una figura del Padre Elías, el general de los Franciscanos, abrazado al pie de la cruz. Estos frescos de estilo bizantino se hicieron probablemente en colaboración con artistas griegos. En la sacristía hay un retrato de san Francisco, también atribuido a Giunta Pisano; pero con más probabilidad pertenece a finales del siglo XIII. Se dice que practicó su arte desde 1202 hasta 1236. Giunta Pisano solía pintar sobre tela estirada sobre madera, y preparada con yeso.
Obras de Giunta Pisano
Crucificación

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PIERO DELLA FRANCESCA-58-Pintor

Detalle de una de las obras della Francesca donde aparece

un autorretrato suyo.

( La Toscana, Italia 1416-1492)

Su nombre completo era Piero De Benedetto Dei Franceschi. Conocido por su sobrenombre Piero della Francesca, fue pintor del Quattrocento italiano.Nació en Sansepolcro (La Toscana, Italia) en 1416. En 1439 della Francesca estuvo viviendo en Florencia. Tres años más tarde, en 1442, es mencionado entre los consejeros de Borgo San Sepulcro y, en 1445, siempre en Borgo, la Cofradía de la Misericordia le confía el políptico para su propio altar, comprometiéndole a entregarlo en 1448. En 1466 los frescos de San Francisco no solamente están terminados sino que ya se citan como gloria adquirida del maestro.
Algunas obras de Piero della Francesca
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La cuestión de las pinturas romanas de della Francesca es bastante complicada. Y es que, según Vasari, el artista pintó dos historias en las Estancias Vaticanas, mientras que después, en la Vita de Rafael, se cita solamente una de la que, sin embargo, no se tiene otra referencia. En 1462, el hermano de della Francesca, Marco di Benetto, recibe de la Cofradía de la Misericordia de Borgo quince escudos. Las desigualdades estilísticas entre las varias partes del políptico de Borgo son característica de la obra.Piero della Francesca reaparece en su patria en 1467, y se le confían varios cargos públicos, mientras que, en 1468, está en Bastia, cerca de Borgo, para huir de la peste y para terminar el estandarte de la Nunziata, que es entregado a los cofrades de la Compañía el 7 de noviembre del mismo año.Por lo que se refiere a su obra, es probable que el texto pictórico al que Piero della Francesca, con sus veinte años, debió recurrir con más frecuencia mientras trabajaba con Domenico Veneziano, que estaba finalizando los frescos del coro de Sant Egidio, fuese la Trinidad de Masaccio en Santa Maria Novella. En la Trinidad veía aquellos planteamientos arquitectónicos y espaciales que Leon Battista Alberti formulaba por el mismo tiempo y que le debieron de parecer ya tan exactos y ricos en derivaciones hacia la gravitas monumental que desde entonces los adoptó con calor hasta sugerirle desde sus orígenes algunas correcciones sobre lo que Domenico le enseñaba.Por lo demás, la opinión que todavía perdura de una supuesta coincidencia en Piero de la recóndita ciencia perspectiva de Paolo Uccello, se descarta no sólo por consideraciones cronológicas, sino porque el mismo Piero había elegido como maestro y mentor a Domenico, prefiriéndolo a Paolo, y en consecuencia se había iniciado en Sant Egidio antes que en San Miniato.La primera obra de Piero, la Madona de la colección Contini Bonacossi, fue incluso realizada en estrecha vecindad con Domenico Veneziano. La pieza confirma precisos recuerdos florentinos: el paisaje es de Domenico trasladado a una medida más cierta, a una relación más exacta con las figura; mientras Domenico se abandona ya a una mitología naturalista, Piero vuelve a establecer la equivalencia según Masaccio entre hombre y naturaleza, si acaso, descargando la activa determinación del fundador de la estirpe en una especie de sosegada firmeza, en la solemnidad del ritual rústico.En los años de Arezzo, Piero encuentra finalmente el espacio material que necesitaba para experimentar hasta el límite su propia medida. Al contemplar los muros de Arezzo, incluso las obras más antiguas de Piero, el Bautismo y la Flagelación, adquieren una métrica más profunda.En cuanto al tema de sus obras, no existe si no como tema de Piero, ámbitos cortesanos de los antiguos, hombres y países, en los que el eterno ritual de la vida se desarrolló con la tranquila certeza de las cosas que con la humanidad nacieron y perduran.

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JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES-57-Pintor

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

Autorretrato com 24 anos-1804-França

Jean Auguste Dominique Ingres
Origem: Wikipédia
Jean Auguste Dominique Ingres, mais conhecido simplesmente por Ingres, (29 de Agosto de 1780, Montauban – 14 de Janeiro de 1867, Paris) foi um pintor francês do neoclassicismo.
Foi um discípulo de David e um notável desenhador. Das suas obras ressalta a mestria no tratamento do nu feminino, em composições inspiradas nas pinturas e nos baixos-relevos antigos, aos quais não é alheia a sua estada em Itália. As formas, de contornos nítidos e concisos, são de uma beleza e serenidade de desenho verdadeiramente incomparáveis.
A sua pintura está longe de tudo quanto é dramático revelando a atenção do autor em relação a tudo o que é escultórico e imutável. A delicadeza do desenho foi reforçada pela suavidade cromática com a utilização de cores claras e luminosas, onde os brancos não são frios nem agressivos, mas se combinam, magistralmente, com os tons da carnação dos seus nus. O negro foi utilizado puro e empregue propositadamente com o objectivo de conseguir contrastes e reforçar a modelação. O pintor Jean Auguste Domingues Ingres foi um desenhista nato, aluno de Jacques Louis David, que foi um pintor oficial da Corte Francesa. Jean Auguste foi indiciado uma espoca por ser gay, pois preferia desenhar homens nus do que mulheres, mas é a mais pura mentira. Ele se dedicava bastante no desenho do nu feminino, onde era especialista.
Da temática utilizada por Ingres destaca-se, na sua fase final, o gosto pelo exótico, de que são exemplo A Odalisca e o Banho Turco. No entanto, foi como desenhador retratista de figuras públicas e da sociedade que alcançou notoriedade. Mais raramente, foi paisagista e pintor histórico. Ingres foi casado com Madeleine Chapelle em 1813.

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JEAN HONORÉ FRAGONARD-56-Pintor

JEAN HONORÉ FRAGONARD

(Grasse 1732- París 1806)

Jean Honoré Fragonard, pintor francés.Vivió en Grasse hasta los 16 años, en que habiéndose arruinado su padre fue colocado como escribiente en una notaria. Pero finalmente, el notario convenció al padre de Fragonard para que dejase al joven seguir sus impulsos artísticos, y en 1748 fue presentado en el taller de Francisco Boucher, entonces en el apogeo de su gloria. Pero el gran artista, admitiendo las evidentes facultades del joven, no quiso hacerse cargo de sus estudios, mientras no estuviese más preparado, por lo cuál lo envió al taller de Chardin, quien procuró enseñarle los primeros elementos de la técnica. Por lo demás, durante este tiempo, la educación artística de Fragonard fue meramente personal suya, pues se formó en correrías de investigación por las calles, plazas y edificios de París, tomando notas y procurando reproducir la memoria de los cuadros célebres que veía en las iglesias. Fragonard se había empeñado en ser admitido entre los discípulos del pintor del rey. Así es que tras seis meses de estudios se presentó nuevamente en el taller de Boucher, quien esta vez le admitió gustoso presintiendo ya en él un heredero brillante de su genio voluptuoso.
Algunas obras de Jean-Honoré Fragonard
Ver todas las obras

Durante tres años Fragonard se formó en la escuela de Boucher, y allí indudablemente bebió el gusto de sus carnaciones voluptuosas y ese acento de sensualidad que le ha valido tantas veces epíteto de pintor erótico. En este género debía triunfar.Fragonard pasó algunos años en la Escuela de los alumnos protegidos en la plaza del Louvre Viejo. De esta época datan la Basoche, el Colin-Maillard, el Lavement des pieds, y otros tantos asuntos en los que Fragonard ensayaba su inspiración impaciente.Llegó por fin el momento de partir para la Villa Mancini. Fragonard fue a despedirse de Boucher, al cual la tradición anecdótica atribuye la siguiente recomendación que no puede omitirse, pues tanto deja entrever la influencia decisiva del maestro sobre el discípulo: “Querido Frago, vas a ver a Miguel Ángel y Rafael, pero te lo digo en confianza amistosa; si tomas a esa gente en serio estás perdido”.Al principio Fragonard no contentó a Natoire, director de la Academia de Francia, pero luego intimó con él hasta el punto de que pidió y obtuvo para el alumno una prolongación de residencia. Terminada esta en 1761, regresó a París detendiéndose en Nápoles y Venecia, y para ser admitido en los Salons pintó Coreso, el gran sacerdote, sacrificándose para salvar a Calirroe (Louvre) que obtuvo resonante éxito en el de 1765. Este cuadro fue un tour de force para Fragonard que se mostró en él buen discípulo, no sin prodigar un lirismo de colores que no era usual encontrar en las obras de los jóvenes debutantes. En el mismo Salón figuraban tres envíos más del autor: un Paisaje y Dos vistas de la villa de Este.En 1769 Fragonard se casó con Mariana Gérard, de Aviñón, y tuvo de ella una niña, Rosalía, y diez años más tarde, en 1780, un hijo, Alejandro Evaristo. Con el matrimonio vivían también Margarita y Enrique, hermanos de Mariana. Con fundamento o sin él la tradición anecdótica picante habla de las relaciones de Fragonard y su cuñada, mucho más bella y espiritual que su esposa.La vida conyugal transformó las costumbres y el arte de Fragonard. La Hereuse fecondité; La Visite a la nourrice; La maitresse d’école; La Bonne- Mère…son de este período. Fragonard sobresalió también en la pintura de miniaturas. La Revolución obligó a Fragonard a huir de Francia y refugiarse en Grasse en 1793, de donde volvió a París a principios del siglo XIX muriendo en esta capital en 1806, preterido y casi olvidado.

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HENRIE TOULOSE-LAUTRE - 55 - Pintor

fFOTOGRAFIA DE HENRIE TOULOSE-LAUTRE

(Albi 1864 - castillo de Malromé, Gironde, 1901)

Su nombre completo es Henrie Marie Raymond de Toulose-Lautrec-Monfa. Pintor francés y descendiente de los condes de Tolosa, débil y enfermizo, quedó deforme y enano a los catorce años, a consecuencia de dos caídas. Los consejos de René Princeteau, pintor bordelés, le orientaron en la realización de numerosos estudios de caballos. En 1881 marchó a París, ingresó en la escuela de Bellas Artes y se formó bajo la dirección de Bonnat, y luego en el estudio de Cormon, donde conoció a Van Gogh. Adinerado, se instaló en un estudio de Montmartre y frecuentó el Mirliton, cabaret de Aristide Bruant, y el Moulin-Rouge, para los cuales dibujó los carteles que le hicieron famoso.
Algunas obras de Henri de Toulouse-Lautrec
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Con sus apuntes y cuadros inmortalizó a las vedettes de aquellos locales: Jane Avril, Valentin le Desosse, Yvette Guilbert, la Goulue. Esta última abrió una barraca de feria en la plaza del Trono, y Tolouse-Lautrec la decoró con telas pintadas (1895) que figuran actualmente en el Louvre (sala del Juego de pelota). En 1889, Toulouse-Lautrec expuso en el Salón de los independientes; en 1893, en la galería Goupil, con éxito. Observador de la vida de los ambientes bajos, pintó en una casa pública una de sus composiciones más importantes: En el salón de la rue des Moulins (museo de Albi). Se inspiró asimismo en los espectáculos circenses y en los del velódromo. Su vida de excesos no le impedía desplegar una intensa actividad artística: dibujos, pasteles, pinturas, carteles de anuncio, grabados. Emprendió además varios viajes a Bélgica, a España y a Inglaterra.Su desordenada existencia y su cáustico humor le han convertido en una figura legendaria. Su obra se impuso, por sus cualidades de vigor y originalidad, como una de las más valiosas aportaciones de fines del siglo XIX. Lo audaz de sus fulgurantes dibujos, que unen el más agudo y cruel realismo a una extremada sobriedad de medios, llama la atención aun en sus más pequeños croquis, lo mismo que en sus litografías de colores, arte que él renovó y llegó hasta su más alto grado de expresividad. En sus primeras pinturas Toulouse-Lautrec son perceptibles las influencias de Degas, de las estampas japonesas y del impresionismo. Pero, orientándolo desde muy pronto hacia un expresionismo peculiar e inconfundible, a la vez psicológico y lírico, realizó retratos de acerbo realismo, escenas de café, de cabaret, de teatro, tratadas con una soltura que deja siempre el primer lugar al dibujo. Sus obras figuran en numerosos museos, principalmente de Suiza, EE.UU y, sobretodo, de Francia, en el Louvre y en el museo de Albi.

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ALFRED SISLEY-54-Pintor

ALFRED SYSLEY

(París 1839- Moret-sur-Loing 1899)

Alumno de la Escuela de bellas artes de París, en el taller de Gleyre, donde trabó amistad con Renoir y Monet; este último ejerció, junto con Corot, gran influencia sobre su obra. En 1863 Sisley abandonó este taller y comenzó a trabajar en la región parisiense, en Chailly-en- Bière y pintó numerosos paisajes del bosque de Fontaneibleau, que recuerdan los de los pintores de Barbizon. Las obras de esta época son escasas, ya que practicó la pintura por pura afición, puesto que su familia sufragaba ampliamente sus necesidades (La taberna de la comadre Anthony, 1866; La avenida de los castaños, museo de bellas artes de París). En 1870, huyendo de la invasión prusiana, que arruinó a su familia, se refugió en Londres con Monet y Pissarro. En este período trabó amistad con Durand-Ruel, que le compró algunas telas. De vuelta a Francia, atraído por la luz de la región parisiense, que trató de reproducir en sus distintas fases horarios, pintó paisajes del Sena, Loing, Bougival, Voisins, Marly, Meudon, Saint-Cloud…De 1875 a 1879 residió en Sèvres; posteriormente se trasladó a Moret, donde vivió los últimos veinte años de su vida.
Algunas obras de Alfred Sisley
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El museo del Louvre posee un buen número de paisajes, que permiten juzgar su evolución, tales como: La barca durante la inundacióm (1873), Las regatas (1874). En 1874 tuvo lugar la primera exposición de los impresionistas, y Sisley participó, junto con Monet, Pisarro, Degas, Renoir…en la fundación de la Sociedad anónima de los pintores, escultores y grabadores. En 1879, acudió al Salón oficial con la esperanza de salir de la miseria, que no obtuvo el éxito esperado; en 1884, tres de sus telas fueron ofrecidas al gobierno por Caillebotte y fueron rechazadas. Esta serie de fracasos impulsaron al artista a permanecer aislado en Moret, limitándose a enviar regularmente sus obras al Salón de la Sociedad nacional de bellas artes. Posteriomente cundió el interés hacia su obra, la cuál alcanzó un éxito extraordinario.

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GIOVANNI BATTISTA TIEPOLO-53-Pintor

GIOVANNI BATTISTA TIEPOLO
(Venecia 1696 - Madrid 1770)

Giambattista o Giovanni Battista Tiepolo, pintor italiano y considerado el último gran pintor del Barroco. Era hijo de un comerciante, que al morir dejó a su familia en una difícil situación económica. Aunque fue discípulo de Gregorio Lazzarini, debió su formación artística al estudio de las obras de Sebastiano Ricci, Piazzeta y Veronés. Las telas El paso del mar Rojo, La edad y la muerte, y El sacrificio de Isaac, realizadas cuando contaba alrededor de diecinueve años, figuran entre sus obras más tempranas. En 1719 se casó con Cecilia Guardi, hermana de los pintores Antonio, Francesco y Niccolo Guardi, con la que tuvo nueve hijos, de los cuales Giandomenico y Lorenzo también serían pintores.
Algunas obras de Giovanni Battista Tiepolo
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Igualmente dotado para la pintura al fresco que para el caballete, y auxiliado por una asombrosa capacidad de trabajo y facilidad de ejecución, cultivó un repertorio temático de carácter bíblico, mitológico y conmemorativo. Su primera obra importante –el ciclo decorativo del palacio arzobispal de Udine (1727-1728)- está compuesta de narraciones bíblicas, que si bien delatan algunos artificios perspectivistas del Veronés y la claridad cromática de Ricci y Pitón, la conformación de las figuras –así como su sensual naturalismo- y la complejidad compositiva de las mismas son aportaciones propias del artista. A partir de la experiencia udinesa, el arte de Tiepolo se afianzó en una interminable sucesión de obras tan estimables como los frescos del palacio Dugnani de Milán (1731), El triunfo de Flora (1743, museo de San Francisco), El banquete de Cleopatra (1743, museo de San Francisco), El banquete de Cleopatra (1744, museo de Melbourne), frescos del palacio Labia, Venecia (1747-1750).Su celebridad rebasó los ámbitos italianos, y en 1750 fue con sus hijos Giandomenico y Lorenzo a Würzburgo, donde permaneció hasta 1753 realizando la decoración de la suntuosa residencia del príncipe-obispo C. Ph von Greffenclau, que el arquitecto J.B Neumann estaba terminando de construir. Dicha decoración, Investidura del obispo Aroldo, 1752; Caída de los ángeles rebeldes, 1752; Adoración de los Magos, actualmente en la pinacoteca de Munich) supuso el enriquecimiento de las formas del maestro veneciano con los nuevos postulados estilísticos del rococó europeo.En 1757 emprendió la decoración de la villa Valmarana junto a su hijo Giandomenico. En ella, adoptando la temática más mundana y aúlica del arte germánico, creó, mediante los colores más caprichosos, un universo teatral de gran sensualidad y belleza, que constituye su auténtica aportación a la pintura dieciochesa.En 1761 comenzaron las gestiones para que fuera a decorar el nuevo palacio real de Madrid. Su estancia en España estuvo amargada por la rivalidad de A.R Mengs y la incomprensión de que fue objeto su obra por parte de los medios oficiales. A pesar de su avanzada edad, el pintor conservaba el vigor artístico de sus mejores tiempos, como atestiguan sus espléndidos frescos del palacio real: La gloria de España, la Apoteosis de la monarquía española y el Triunfo de Eneas.Por otra parte, también le fue encargada la decoración del ábside de la iglesia de San Ildefonso de Aranjuez, que la muerte le impidió llevar a cabo.Con Tiepolo, cuya gracia y viveza cromática influyó en el Goya festivo de los cartones para tapiz, se cierra la elegancia fastuosa del recocó, así como toda la tradición de la pintura mural veneciana.

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WILLIAM TURNER - 52 - Pintor

autorretrato de william turner

(Londres 1775 - 1851)

Su nombre era Joseph Mallord William Turner, pintor británico. Artista precoz, estudió con Thomas Malton en la Real Academia (1789-1793), de la que sería profesor de perspectiva (1807) y presidente (1845). Expuso por primera vez acuarelas en 1790, y pinturas al óleo en 1796. Formado en la tradición topográfica, dirigió su actividad pictórica hacia los temas paisajísticos de tema de tipo romántico, afirmándose sobretodo como acuarelista.Viajó por País de Gales y Escocia, y durante algún tiempo residió en Suiza, donde realizó sus primeros paisajes alpinos.
Algunas obras de William Turner
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Sus numerosos cuadros al óleo revelan la predilección por los marinistas holandeses del siglo XVII y por la obra de los clasicistas franceses (Claudio de Lorena y Nicolas Poussin), cuya obra estudió durante su estancia en París. En los primeros decenios del s. XIX Turner pintó cuadros de historia, como La Muerte de Nelson (Galería Tate, Londres), pero centró sus preferencias artísticas en la investigación de la luz y la atmósfera de paisaje (Lluvia, niebla, velocidad, Galería Nacional, Londres). Los paisajes que Turner realizó en su última etapa en Petworth (Sussex), durante las frecuentes visitas a la mansión del conde Egremont, su amigo y mecenas, constituyen lo más estimable de su obra (Mañana después de la tormenta, Amanecer en el castillo de Norma, Puesta de sol en el mar, Galería Nacional, Londres); se caracterizan por la intensa luminosidad de los efectos atmosféricos y por la nueva y audaz libertad compositiva y constituyen uno de los logros más felices en la búsqueda de los aspectos “sublimes” de la pintura romántica. La Galería Nacional y la Galería Tate de Londres poseen la mayor parte de su producción. También está representado en numerosos museos británicos y norteamericanos.

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JAN VERMEER - 51 - Pintor

Supuesto autorretrato de Johannes Vermeer-1656

(Delft 1632 - 1675)

Llamado Jan Vermeer, Vermeer de Delft o Johannes van der Meer, pintor neerlandés. Se conocen pocos detalles de su vida, probablemente fue discípulo de Carel Fabritius, y es indudable que conoció la obra de los caravaggistas. En 1653 obtuvo el grado de maestro del gremio de pintores de su ciudad natal, del que fue decano en 1670. En abril de 1653 se casó con Catharina Bolnes y tuveron once hijos. Todo indica que llevó una vida más bien oscura, y consta que simultaneó la práctica de la pintura con el comercio de obras de arte en pequeña escala.
Algunas obras de Jan Vermeer
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Vermeer cayó muy pronto en el olvido, del que no habría de salir hasta mediados del siglo XIX; pero a partir de ese momento ha suscitado un creciente y apasionado interés. Ha dejado solo dos lienzos fechados: La alcahueta (1656) y El geógrafo (1668), que no son precisamente sus mejores obras. Esta ausencia de fechas dificulta la confección de un catálogo cronológico, dificultad aumentada por el hecho de que en ciertos cuadros figuran fechas y firmas apócrifas y por la incertidumbre existente acerca de sus obras de juventud, que versaban temas religiosos. A esto se debe que la evolución del pintor, y también la interpretación de sus ideas pictóricas, varíen según los historiadores. Sin embargo, todos están coinciden en que Vermeer es uno de los grandes genios de la pintura.Se dedicó con preferencia a temas de género burgués, cargados de símbolos y de intenciones morales, tal como lo hicieron sus coetáneos Metsu, Terborch y Pieter de Hooghe. Esta preocupación por reproducir las costumbres y el ambiente de los Países Bajos se refleja en sus dos únicos paisajes conocidos, La callejuela y La vista de Delft.Vermeer supera a los demás pintores de ese género por su magnífico oficio, por la feliz conjugación que logra de lo concreto con lo abstracto, por la hondura de su sentir pictórico. Inventa como si fuera un iluminador, y para intensificar la expresión distribuye sutilmente la luz. Elige colores originales que armonizan perfectamente y que se ponen de manifiesto gracias a los blancos: el azul zafiro, el amarillo limón, el bermellón, el ocre rojo. Los dispone unas veces como si se tratara de una pasta untuosa, de consistencia semejante a la de la porcelana, mientras que otras veces son pequeños toques granulosos que absorben la luz, y otras, aún veladuras translúcidas.Veermer gusta de un arte desnudo. Sus interiores se reducen a una pared –adornada con un cuadro de significado simbólico o con un mapa-, a una mesa, a una ventana, situada siempre a la izquierda y por la que penetra la luz. La profundidad queda sugerida por el artificio de la disposición de los objetos, y la composición obedece a trazas geométricas puras. La vida sólo está evocada por la presencia de una persona, con mucha frecuencia una mujer joven, o de una pareja, y grandes vacíos que rodean de silencio esas figuras. Valiéndose de medios puramente pictóricos, y gracias a una apariencia de objetividad, consigue crear un universo poético.Algunas obras de Veermer pertenecen a colecciones particulares de Londres, París y Nueva York, pero las más importantes se guardan en los museos. Así en el Rijksmuseum de Ámsterdam se hallan La callejuela, La lechera, Dama de azul leyendo una carta, La carta de amor; en Berlín, El caballero y la joven, El collar de perlas. En Boston, El concierto; en Brunswick, La joven del vaso de vino; en Dresde, La alcahueta, La mujer de la carta; en Frankfurt, El geógrafo; en La Haya, Diana y sus ninfas, La vista de Delft, La joven del turbante; en Londres, Mi mujer en pie junto al virginal, La pareja de la espineta; en el Louvre, La encajera; en Nueva York, La mujer en la ventana, La tocadora de flauta, La alegoría de la fe; en Viena, La alegoría de la pintura; en Washington, La pesadora de perlas, La mujer del sombrero rojo.

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JAN VAN EYCK - 50 - Pintor

eEl hombre del turbante rojo-posible Jan van Eyck

(Maaseyck 1390- Brujas 1441)

Jan van Eyck, pintor fundador de la antigua escuela flamenca. Procedía de Maaseyck, pequeña ciudad a orillas del Mosa, cerca de Maestricht.De 1422-1424 estuvo como pintor y ayudante de cámara en la corte de Juan Baviera en La Haya, y después de la muerte del príncipe, entró al servicio del duque Felipe el Bueno de Borgoña, el cual, en 1425, le nombró pintor de la corte y camarero, con un sueldo anual de 100 libras. Felipe le hizo emprender varios viajes, en 1426, 1428-1429 y en 1436, por asuntos diplomáticos y particulares. En el 1428 acompañó a la embajada borgoñona, enviada a Portugal, para llevar a cabo el casamiento de Felipe con la princesa Isabel, cuyo retrato pintó Van Eyck y fue remitido a Borgoña. En este viaje conoció la vegetación meridional que aparece con frecuencia representada en los fondos de paisaje de sus cuadros. Murió en Brujas el 9 de julio de 1440.
Algunas obras de Jan van Eyck
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Tenía un hermano también famoso por ser un gran pintor: Hubert Van Eyck. Se poseen muy pocos datos de su vida; se sabe sólo con seguridad que en 1421-1422 se hizo inscribir en Gante en la cofradía de la Virgen de los Dolores. Jodoco Wydt, un rico gantés, le encargó entonces el gran retablo de La adoración del cordero, que dejó sin terminar por haberle arrebatado la muerte el 18 de septiembre de 1426: fue enterrado en la cripta de San Bavón de Gante. Muchos críticos parecen considerar la aparición de estos dos maestros como un fenómeno de generación espontánea y, sin embargo, la eclosión de estos dos genios, por brusca que parezca, es el resultado de una larga evolución anterior.Para tratar a fondo el problema relativo a la edad de ambos hermanos, preciso es conocer la obra famosa entre todas que cimentó su gloria, esto es, el retablo de la iglesia de San Bavón de Gante. Este políptico, el más grande de cuantos de han consagrado a la representación de una idea cristiana, bastaría para legitimar la reputación de los dos hermanos, aunque hubiese desaparecido el resto de su producción.Signo de la diferenciación de la obra de ambos hermanos es el modo de pintar las vestes, ejecutadas siempre con pasta en los que deben atribuirse a Hubert y con veladuras en los auténticos de Jan. Atendiendo a estas características, el tríptico de Dresde habría que atribuirlo a Hubert; la Virgen llamada del canónigo van der Paele está firmada por Jan. En el Museo de Madrid existe un cuadro titulado El triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga, atribuido por unos a Hubert y por otros a Jan.De Jan van Eyck se conservan algunos cuadros, varios de ellos firmados: La Virgen y el Niño; los retratos de Arnolfini y de su esposa; el retrato canónigo Juan de Leeuw, Virgen llamada del canónigo vander Paelen…

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ALBRECHT DURER - 49 - Pintor

Autorretrado de ALBRECHT DURER (1500)
(Nuremberg 1471- 1528)

En alemán Albrecht Dürer, pintor y grabador alemán, hijo del orfebre Albrecht el Viejo, descendiente de una familia húngara o de colonos alemanes establecidos en Hungría. La pintura alemana debe al genio de Alberto Durero su carta de ciudadanía en la pintura europea del renacimiento. Los maestros italianos lo consideraron como a un igual y admiraron sobre todo las dotes de creador y compositor de que hacía gala en sus grabados. Sus dibujos y grabados son admirables tanto por sus detalles como por la impresión de grandiosidad del conjunto. Su estilo arranca del dibujo nudoso de los góticos y alcanza la fluidez clásica. En 1486 su padre le colocó de aprendiz con el pintor y grabador Wolgemut. De 1490 a 1494 realizó su viaje de aprendizaje; se detuvo especialmente en Colmar, en casa de los hermanos de Schongauer, el mejor grabador de la época, que acababa de morir. Pasó luego a Basilea, donde parece que hizo algunas xilografías.
Algunas obras de Alberto Durero
Adán
Adán y Eva
Todos los Santos
Anciana con monedero
La adoración de los Magos
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Al regresar se casó, y antes de un año emprendió un viaje a Italia hasta la primavera de 1495. Entre sus obras anteriores a este viaje figuran un retrato de su maestro Wolgemut (1490, Uffizi) y un autorretrato caracterizado de novio (1493, Louvre). Ya entonces se había interesado por el arte italiano a través de los grabados de Mantegna. Durante el viaje pintó sus primeros paisajes a la acuarela. Su maestría en el arte del grabado puede ya apreciarse en sus más antiguas planchas de cobre (1496). También en esta época empezó a dibujar para grabaras en madera, las ilustraciones para el Apocalipsis (1498), su primera obra realmente personal, integrada por 15 planchas magistrales tamaño folio. El dibujo nudoso, agitado, tiene todavía carácter medieval. Casi al mismo tiempo empezó la Pasión grande, en madera, que terminó mucho después, e hizo planchas de cobre que, dirigidas a un publico más refinado, revelan su preocupación por el desnudo, a imitación de los italianos. De todos sus autorretratos, el más radiante y fresco es el de 1498, vestido con jubón negro y blanco (Prado). Poco a poco, gracias a su amigo Willibald Pirckheimer, se introdujo en el círculo de humanistas de Nuremberg. A principios de siglo conoció al pintor veneciano Jacopo de Barbari (Jacob Walch), intermediario entre italianos y alemanes, que le inició en los problemas de la perspectiva y las proporciones. La preocupación por estos temas le llevó en ocasiones a componer obras un tanto frías (Adán y Eva, grabado en cobre), mientras otras, como la magnífica Némesis, están libres de esta tacha. El célebre San Eustaquio conserva cierto acento gótico. Entretanto Alberto Durero pintaba acuarelas de plantas y animales, detalladas como si fueran láminas de historia natural y, sin embargo, llenas de sensibilidad: la Liebre (1502), el Ramo de violetas, las Matas de hierba (1503). Empezó también una serie de grabados en madera, la Vida de la Virgen, y pintó la Adoración de los Magos (Uffizi) y el Retablo Paumgartner (pinacoteca de Munich). De esta época data su más célebre autorretrato (1504, pinacoteca de Munich), figura estilizada y simétrica pero viva, gracias sobretodo a la maravillosa mano que sujeta la vestidura.A fines de 1505 volvió a Venecia, donde ya se falsificaban sus grabados; allí sus compatriotas del Fondaco dei tedeschi le encargaron para su iglesia de San Bartolomé el retablo de la Fiesta del Rosario. Su Jesús entre los doctores (1506) está influido por los dibujos caricaturescos de Leonardo da Vinci.De regreso a Nuremberg, pintó las dos tablas de Adán y Eva (1508, El Prado) y un tríptico (1509), cuya tabla central, de la que sólo se conserva una copia, representaba la Asunción. La obra maestra de este periodo es la Adoración de la Trinidad (1510, Museo de Viena), conforme a la clásica composición de los “paraísos” italianos y de un color armonioso y florido. Los años siguientes volvió a dedicarse al grabado: acabó la Vida de la Virgen y la Pasión grande, dibujó en madera las 37 planchas de la Pasión pequeña y grabó en cobre la mayor parte de ellas (1512). Pero las obras más logradas de este momento son los grabados en cobre, llamados El caballero, La Muerte y el Diablo, San Jerónimo y La Melancolía, en los que la perfección técnica se conjuga con la fuerza plástica, al servicio de un pensamiento que se expresa en forma de alegorías.Entre 1515 y 1520 Alberto Durero trabajó para el emperador Maximiliano: dibujos para el Arco de triunfo, formado por 92 grabados en madera, croquis para el carro principal del Cortejo; ilustraciones, vivas y llenas de humor, en los márgenes del libro de rezos del emperador. A la muerte de Maximiliano abandonó Nuremberg, quizá con la intención de lograr que Carlos V le confirmara la pensión que le había concedido su abuelo. En Países Bajos, y especialmente en Amberes, los pintores le acogieron como triunfador (Matsys, Van Orley, Patinar). Pintó sólo algunos retratos y san Jerónimo (Museo de Lisboa), pero dibujó continuamente, registrando cuanto llamaba su atención.El diario de este viaje es famoso sobre todo por el apóstrofe en que proclama su apasionada adhesión a Martín Lucero, “que le libró de grandes angustias”: en efecto, la Reforma constituyó el drama de su alma profundamente religiosa. Durante sus últimos años de estancia en Nuremberg decoró, ayudado por su discípulo Pencz, la gran sala del ayuntamiento con un Carro triunfal, y trabajó en sus obras teóricas: Instrucción acerca de la manera de medir (1525), Tratado de las fortificaciones (1527) y Tratado de las proporciones del cuerpo humano (128), obra muy utilizada por los pintores de los siglos XVI y XVII.Entre 1524 y 1526 su genio lanzó sus últimos destellos, los más deslumbrantes: retratos pintados de Hieronymus Holzschuher y de J. Muffel (Museo de Berlín), retratos grabados de Pirckheimer, Erasmo y Melanchton. El testamento artístico de Albverto Durero lo constituyen Los cuatro apóstoles (pinacoteca de Munich); cuatro personajes graves y majestuosos, pintados en colores fuertes y densos; al dorso hay una inscripción que viene a ser una admonición a los príncipes de este mundo y que al parecer va dirigida contra los excesos de ciertas sectas religiosas.Ninguno de sus discípulos se le aproxima. Los mejores representantes de la pintura alemana del renacimiento (Cranach, Bandung, Altdorfer) desarrollaron sus actividades simultáneamente, sin acusar demasiado su influencia.

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TEXTO: ARTELISTA.COM (Madrid)

LUCAS CRANACH (O Jovem)-48 - Pintor

LUCAS CRANACH el joven

(Wittenberg, 1515 – Weimar, 1586)

Cranach el Joven fue hijo y discípulo de Lucas Cranach el Viejo, continuando de tal modo la tradición paterna, que las obras de ambos artistas se confunden con frecuencia, pero no acusan las del hijo los caracteres germánicos que son la característica y la fuerza de las obras del viejo Cranach. Poseen obras de Cranach el Joven artista los Museos de Berlín, Casel, Leipzig, Estocolmo, Viena, Weimar y Heidelberg.Algunas de sus obras más importantes son: Retrato de Hombre, Retrato de Mujer, El estanque de la juventud, Retrato de Lucas Cranach padre...

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LUCAS CRANACH (O Velho) - 47- Pintor

AUTORRETRATO DE LUCAS CRANACH "el viejo"

a los 77 años(1550)

(Kronach, 1472 – Weimar, 1553)
Lucas Cranach el Viejo (conocido en alemán como Lucas Cranach der Ältere) fue un pintor renacentista y artista gráfico alemán es famoso por sus desnudos femeninos y por sus retratos. Cranach, cuyo nombre real pudo haber sido Lucas Müller o Sunder, nació el 4 de octubre de 1472, en Kranach, ciudad de la que tomó su apellido. Su hijo es el también pintor Lucas Cranach el Joven.Cranach aprendió a pintar con su padre. De 1501 a 1504 vivió en Viena, donde creó sus primeros cuadros, entre los que destacan un retrato del humanista Doctor Reuss (Germanisches Museum, Nüremberg) y una Crucifixión (1503, Alte Pinakothek, Munich). En esta época su trabajo recibió la influencia de Alberto Durero.
Algunas obras de Lucas Cranach el Viejo
Ver todas las obras
En 1505 Cranach se convirtió en pintor de corte de Sajonia en Wittenberg, y lo fue hasta 1550. Ciudadano influyente en Wittenberg, recibió un título y llegó a ser alcalde en 1537. En 1508 visitó Holanda, dónde pintó a la realeza: al emperador Maximiliano I y a Carlos I. Pintó también escenas bíblicas y mitológicas repletas de desnudos decorativos, una primicia en la pintura alemana. Entre sus obras destacan muchas versiones de Adán y Eva, El juicio de Paris (1529, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) y Venus y Amor (1531, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruselas). Amigo de Martín Lutero, el arte de Cranach expresaba el espíritu y los sentimientos de la Reforma alemana. Muchos de sus retratos y grabados eran propaganda de la causa protestante. Sus retratos de los líderes protestantes, entre ellos muchas versiones de Lutero y del duque Enrique de Sajonia (1514, Galería de retratos de Dresde), son sobrios y de meticuloso diseño. Cranach y su equipo trabajaban con gran celeridad, llegando a elaborar cerca de 5.000 obras de arte gráficas, de las cuales sólo 1.000 perduran hoy en día. Murió el 15 de octubre de 1553 en Weimar.

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ANTHONIS VAN DICK - 46 - Pintor

ANTHONIS VAN DICK

(Amberes 1599-Londres 1641)

Hijo de un comerciante de Amberes. Su carrera fue breve, pero deslumbradora. Favorecido por nobles y reyes, fundó la escuela de retratistas ingleses, y ha dado su nombre a un color, el “pardo Van Dyck”. Empezó como aprendiz de Van Balen (1609-1612), y se reveló como artista precoz, según demuestran su Anciano, fechado en 1613. Luego trabajó con Jordaens y con Rubens. Pasó el examen de maestro en 1618. Dos años más tarde, el coleccionista Howard le introdujo en la corte de Inglaterra y le inició en la pintura veneciana. De 1622 a 1627 residió en Italia; en Roma fue huésped del cardenal Bentivoglio, y luego se estableció en Génova, donde se impuso por sus dotes artísticas y su elegancia; también trabajó en Sicilia. En el período italiano pintó principalmente retratos. En 1627-1632 Van Dyck desenvolvió su actividad en Amberes (retratos, cuadros de altar). En 1630 estuvo en París donde hizo grabar efigies de hombres ilustres dibujadas por él (Iconografía de Van Dyck).
Algunas obras de Anthonis van Dyck
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Carlos I le llamó a Londres en 1632, le ennobleció y le colmó de honores y de dinero. Van Dyck pintó entonces a lo mejor de la aristocracia inglesa, a la par que llevaba una vida lujosa en Blackfriars y en su casa de campo de Eltham. Despué de oscilar entre el influjo de Caravaggio y el de Jordaens, según se advierte en sus cabezas de Apóstoles.Al igual que Rubens, Van Dyck pintó temas literarios y mitológicos, a los que dio un encanto sensual y tierno a la vez (Ninfas en el baño; Diana y Endimión; Reinaldo y Armida). Fue un gran pintor de temas religiosos, y sus grandes lienzos para las iglesias de Flandes y de Brabante ofrecen una versión original del barroco, sobrio y suave. Su misticismo está impregnado de refinados matices y lánguida tristeza. Estos rasgos son característicos de sus escenas preferidas: La Sagrada Família; La Piedad; El Éxtasis de san Francisco. Su verdadera gloria artística se funda en su labor de retratista.

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EUGÈNE DELACROIX - 45 - Pintor

EUGÈNE DELACROIX retratado por NADAR

(Saint Maurice, Scine 1798 - París 1863)

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, pintor francés. Fue, sin duda, el mejor pintor del movimiento romántico en Francia. Según ciertos historiadores, Delacroix debió ser en realidad hijo natural de Talleyrand. De temprana vocación, ingresó en la Escuela superior de Bellas Artes a los dieciocho años, en el estudio de P. Guérin, discípulo de David y continuador de las fórmulas neoclásicas. Allí conoció a Géricault y a Raymond Soulier, quien lo inició en la acuarela. A la influencia de Géricault se debió probablemente el interés que siempre experimentó Delacroix por la pintura de animales; copió en sus comienzos obras de Géricault, así como de Rubens y Goya, a quienes admiró, lo mismo que a Constable y Veronés.
Algunas obras de Eugène Delacroix
Alejandro y los epopeyas de Homero
Apolo destroza la pitón (techo de la galeria de Apolo)
Atila traviesa Italia
La bahía de Tanger en Marruecos
Cristo en el mar de Galilea
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Su primera composición importante fue Dante y Virgilio en los Infiernos (Louvre), obra expuesta en el Salón de 1822 y adquirida por el estado. Las matanzas de Quios (Salón de 1824) fue, sin embargo, duramente atacada, a causa de la evidente influencia de la pintura británica, lo que suponía el abandono del tradicional catolicismo de los franceses.Durante algunos meses de 1825, residió en Londres dónde reforzó su antigua amistad con Bonington y conoció a Mrs. Dalton, que desempeñó un importante papel en la vida sentimental del pintor. En Londres experimentó el encanto del suave colorido británico, la abundancia de los motivos estéticos medievales, el influjo de la literatura británica, especialmente Shakespeare, Byron y Scout. También fue allí donde comenzó a apasionarse por la acuarela. Muy joven, se situó a la cabeza del movimiento romántico pictórico. Estudió a los pintores venecianos, españoles y flamencos, la anatomía de los animales, las miniaturas persas, las iluminaciones medievales. En 1828 envió al Salón su Sardanápalo (Louvre), obra tan atacada como Las matanzas. Su cuadro más popular, La libertad guiando al pueblo, le valió la cruz de la Legión de honor. En 1832, agregado a una misión diplomática, visitó Marruecos y Andalucía. Este viaje enriqueció el repertorio de temas del pintor con escenas de la vida árabe y judía, estudios de animales, cacería, armas, indumentaria, de todo lo cual supo valerse para pintar exóticas escenas de género, lo mismo que para las ilustraciones de la obra de Byron y sus alusiones al conflicto greco-turco: Mujeres de Argel (Louvre); Boda judía, Músicos judíos en Mogador, Recepción del emperador Abderramán, Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi. En 1830, gracias a la protección de Thiers, Delacroix recibió varios encargos oficiales, en los que Ingres, su inveterado oponente, había fracasado: decoración del salón del Rey, en la cámara de los diputados (palacio Borbón) de París; de la biblioteca de la cámara de los diputados; de la biblioteca del senado; techo del salón de la Paz, en el ayuntamiento de París, techo de la galería de Apolo, en el Louvre…En 1838 visitó Países Bajos; en 1840 expuso en el Salón La justicia de Trajano (museo de Ruán), y al año siguiente, La entrada de los cruzados en Constantinopla (Louvre). Aportó al Salón de 1845 El sultán saliendo del palacio de Mequínez; al de 1848, Comediantes y bufones árabes; al de 1849, Otelo y Desdémona; al de 1854, Cacería de leones, alternando estas obras con cuadros de flores, naturalezas muertas, paisajes, así como autorretratos y retratos de Chopin, George Sand…La exposición de 1855 marcó su triunfo definitivo. En 1857, fue admitido en la Academia de bellas artes. Según declaración propia, Delacroix quiso unir a Miguel Ángel con Velázquez, de aquí que su pintura se mantenga en constante equilibrio entre lo clásico tradicional y lo romántico, como temática y exaltación de la personalidad. Por otra parte, fue un excelente teórico, cuyo espíritu crítico, talento y justeza de expresión se manifestaron en su Diario, salpicado de sustanciosas observaciones.

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HIERONYMUS BOSCH - 44 - Pintor

JERÓNIMO BOSCH

(S Hertogenbosch 1450 – 1516)

Jeroen Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus Bosch o Jeroen Bosch, o en castellano Jerónimo Bosch, fue un pintor y grabador holandés. De su vida se sabe muy poco. Su padre, Antonio, era pintor. Hacia 1477 se casó con Alead Van Meervenne, y al parecer no abandonó jamás su ciudad natal de cuyo nombre - ‘S Hertogenbosch- deriva el apellido por el que generalmente se le conoce. Alcanzó en vida gran fama, pintó para Felipe el Hermoso (1504) un Juicio final. Solamente se conservan unos 40 originales suyos, pero varias composiciones perdidas se conocen a través de copias e imitaciones realizadas en el siglo XVI. Tanto en las pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un mundo de seres, ora normales, ora monstruosos, presentadas en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras.
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Algunas obras de Hieronymus Bosch
Altar de Antonius, tríptico cerrado, panel izquierdo
Altar de Antonius, tríptico cerrado, panel derecho
Altar de Antonius, tríptico, panel central
Altar de Antonius, tríptico, panel central
Altar de Antonius, tríptico, panel central
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Su universo de desbocada imaginación, poblado de figurillas fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal (Tentaciones de san Antonio, museo de Amberes y de Lisboa; Juicio final, museo de Viena), anuncia el espíritu de Bruegel; incluso los temas religiosos (Coronación de espinas, Prado, Ecce Homo) están deformados por un cruel frenesí de gesticulaciones. Sin embargo, El Bosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento de dibujante, y su irrealismo se emparenta en último término con el espíritu sarcástico de los “fabliaux”, ridiculizador de los vicios (La extracción de la piedra de la locura, El carro de heno, El jardín de las delicias, Prado). En El hijo pródigo (museo Boymans, Rótterdam), seguramente uno de sus últimos trabajos, parece que quiso representar el tema del libre albedrío, así como el de la soledad del hombre. Su fantasía burlesca sedujo a muchos aficionados, sobre todo en España, donde fue objeto de gran aprecio; Felipe de Guevara y el padre Sigüenza escribieron los primeros comentarios críticos que se conocen sobre El Bosco. Y Felipe II reunió un crecido número de obras de este pintor, lo cual explica la relativa abundancia actual de pinturas de este maestro en España. Se conocen asimismo dibujos del Bosco, en los que se da la misma vivacidad de anotación que muestran sus pinturas y dejan traslucir aún más su agudo sentido de la observación de la naturaleza (El nido del búho, museo Boymans, Rótterdam). El arte del Bosco ha ifluido en muchos artistas del siglo XX, especialmente en los surrealistas.
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TEXTO: ARTELISTA.COM (Madrid)

WILLIAM BLAKE - 43 - Pintor

WILLIAM BLAKE: por Thomas Phillips

(Londres 1757 – 1827)

Poeta, pintor, grabador y místico inglés. Desconocido en su tiempo, hoy en día el trabajo de Blake es muy reconocido, y es un ejemplo de “artista total”, por la relación que en su obra tienen la poesía y los grabados.Blake nació en el 28 de Broad Street del Golden Square, en Londres, en el seno de una familia de clase media nueva. Su padre era calcetero. Se cree que pertenecieron a una secta religiosa radical denominada Dissenters.Desde muy pequeño Blake tenía visiones místicas, que le inspiraban a escribir poesía. Los versos de Blake son considerados unas de las obras más originales y proféticas de la lengua inglesa, y suponen el rechazo de las ideas del movimiento ilustrado en favor del romántico.
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Algunas obras de William Blake
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De educación autodidacta, desde pequeño, quería convertirse en pintor. Fue a una escuela de grabado y, a los 14 años, entró a trabajar como aprendiz del grabador James Basire. A los 21 años, estudió en la Royal Academy, donde se rebeló contra las doctrinas estéticas de su director, Joshua Reynolds, defensor del neoclasicismo propio de artistas como Rubens. Sin embargo, más tarde, entabló amistad con académicos como John Flaxman y Henry Fuseli, cuyas obras influyeron en él. En 1784 abrió una imprenta y, aunque fracasó al cabo de unos años, continuó ganándose la vida como grabador e ilustrador. Su esposa le ayudó a imprimir los poemas ilustrados por los que es conocido incluso hoy en día.La obra gráfica de Blake desafiaba las convenciones artísticas del siglo XVIII. Defendió siempre la imaginación frente a la razón. La influencia de Miguel Ángel es presente en la potencia del escorzo y en la exagerada musculatura de algunas de las figuras de Blake, sobre todo en una muy conocida titulada El anciano de los días, que conforma el frontispicio de su poema Europa, una profecía (1794). Gran parte de su pintura estuvo dedicada a temas religiosos: ilustraciones para la obra de John Milton, su poeta favorito, para El viaje del peregrino de John Bunyan, y para la Biblia, además de las 21 ilustraciones que realizó para el Libro de Job. Entre sus ilustraciones de temas paganos se encuentran las que llevó a cabo para la edición de los poemas de Thomas Gray y las 537 acuarelas para Ideas nocturnas de Edward Young, de las que tan sólo 43 fueron publicadas.

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CANALETTO - 42 - Pintor

CANALETTO

(Venecia 1697 – 1768)

Apodo con el que se conocía a Antonio Canal, el Canaletto, paisajista italiano. Era hijo del pintor Bernardo Canal, de ahí su nombre. Trabajó primero en el taller de su padre Bernardo, que era decorador de teatro, y aprendió perspectiva con Luca Carlevaris. En 1719, pasó a Roma, donde recibió el influjo de los paisajistas flamencos que trabajaban allí y de Gian Paolo Pannini. En 1721 o 1722, regresó a Venecia, donde se dedicó a pintar vistas de la ciudad. Sus primeras obras están realizadas con gran soltura y sensibilidad, dibujo minucioso, colores apagados, luces y sombras fuertemente contrastadas. Para el encuadre de sus pinturas utilizó la cámara oscura. Observó directamente la naturaleza y rompió con la tradición del paisaje compuesto, colocándose por ello entre los precursores del paisajismo moderno.
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Algunas obras de Canaletto
Canal Grande, detalle
El bucintoro delante del Palacio Ducal
El patio de los picapedreros
Recepcion de un enviado francés en Venecia
Eton College
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Hacia 1730, se advierte un cambio en el estilo del artista: su pintura capta más eficazmente los valores atmosféricos, las superficies más vastas y uniformes, los colores más luminosos. Ejemplo del primer estilo: La iglesia de la Caridad de San Vital; del segundo, La escuela de San Rocco, ambas en la Galería Nacional de Londres. Durante su estancia en esta ciudad (1746-1748) pintó una serie de vistas de la misma, especialmente del Támesis (Galería nacional y museos de Windsor y Hampton Court). Se ha dicho que en Londres su estilo se hizo más frío y afectado, pero la decadencia de éste se debe sobre todo a la excesiva producción y al empeoramiento de su salud.Obras principales: San Giorgio Maggiore, El gran canal de Venecia con el piente de Rialto y La plaza de San Marcos (Prado); La iglesia de la Salute y La entrada al gran canal de Venecia (Louvre); Vista del Coliseo de Roma (Galería Borghese); Regata en el Gran Canal ( Galería Nacional, Londres); La recepción solemne del conde de Gergi en Venecia (Ermitage). Es autor de 31 aguafuertes, un autorretrato y muchos dibujos. Sus discípulos principales fueron su sobrino Bernardo Belloto, llamado Canaletto el Joven y F. Guardi.Puedes ver todavía más obras de las que estás viendo en esta página clicando AQUÍ >>

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